Antonio López

premio Velázquez 2006

2007-05-15T14:30:00.000-07:00

De manos del Principe de Asturias, el pintor Antonio López García (Tomelloso, 1936) recibió ayer el Premio Velázquez de Artes Plásticas 2006, ante “Las Meninas”. Don Felipe recordó la admiración de toda la Familia Real al pintor. El artista dedicó el discurso a su tío Antonio López Torres, quien alentó su dedicación a la pintura.

El Premio Velázquez de Artes Plásticas 2006, concedido por el Ministerio de Cultura al pintor y escultor Antonio López el pasado 24 de mayo, destaca la obra de un creador que «hunde sus raíces en la más pura tradición realista española». El premio está dotado con 90.000 euros, como el Cervantes de las Letras; una exposición en el Museo Nacional Reina Sofía, y una beca de 30.000 euros para un artista menor de 35 años.

Don Felipe ha recordado la admiración y el aprecio que toda la Familia Real siente por su obra y por su persona explicando que «nuestra admiración se extiende tanto hacia sus espléndidas creaciones primeras, llenas de sentido poético, profundidad y connotaciones oníricas, como hacia toda su gran obra posterior».

El Príncipe de Asturias ha recordado durante al acto, que los únicos secretos del que ha calificado como «maestro» son la técnica y las horas, «las muchas horas de paciente trabajo dedicadas a la contemplación, empleadas en captar, en analizar y en mirar».También se refirió al «prodigioso ejercicio de integración de las artes» y su huella en la estética del cine español más recientes.

En su discurso, López García, evocó la figura de su tío Antonio López Torres, el pintor, soltero, pequeño, nervioso, sensible, aprensivo, a veces con un gran sentido del humor. Recordó los bodegones sencillos, muy manchegos y la concentración con la que trabaja su tío, mientras que él, el sobrino de mayor edad, a los doce años comenzó a dibujar reproducciones de pinturas del siglo XIX de una revista. «Mi tío me veía dibujar. Yo esperaba que comentara algo, pero no decía nada, creo que me dejaba hacer, que esperaba».

Un premio y la insistencia de su tío convencieron a su padre para que estudiara en Madrid. «Ahora me asombra la seguridad de mi tío en mi capacidad para la pintura, su voluntad en que fuera pintor, y me conmueve hasta qué punto sentía a pesar de sus dificultades de entonces que la pintura era una buena tarea a la que dedicar la vida».

En Madrid, con trece años, visitó junto a sus padres y su tío el Museo del Prado donde por fin veía las obras de los más grandes pintores, sobre todo de Velázquez. «Acostumbrado a la pintura tan luminosa de mío tío, me parecieron oscuros, eran demasiado grandes para mi poco conocimiento. Al salir le confesé que me gustaba más su pintura, y todavía recuerdo la cara que puso al oírme. En realidad me costó largo tiempo ir comprendiendo el lenguaje, el enigma de la pintura. Aún sigo aprendiéndolo».

El pintor se encuentra actualmente realizando un retrato de la Familia Real por encargo de Patrimonio Nacional y el 1 de Junio entregó a la Asamblea de Madrid una gigantesca panorámica de Madrid, realizada desde el parque de bomberos de Vallecas.
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Francisco Navarro. Martes, 27 de junio de 2006 a las 11:42

Bellas Artes está en crisis

2007-05-15T14:27:00.000-07:00

El pintor y Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1985, Antonio López García, mostró hoy en Badajoz su convicción de que "la enseñanza de las Bellas Artes se encuentra en un momento de crisis muy profunda" porque, según explicó, hasta hace poco la pintura era abstracta o figurativa, pero ahora han aparecido nuevos medios de contar las historias.

Así se expresó López García durante la conferencia que pronunció hoy en la Facultad de Empresariales de la Universidad de Extremadura (UEX) para inaugurar la cuarta edición de los Cursos Internacionales de Verano de la UEx, a la que asistieron diversas autoridades como el rector, Ginés Salido, o el vicerrector de Acción Cultural, Bernardo Santano.

A juicio del pintor, con el arte no ocurre al igual que con la ciencia, que se sabe qué hay que transmitir y como transmitirlo, pero en el caso de las Bellas Artes "hay muchos caminos verdaderamente interesantes e importantes" y en este sentido confesó no tener el temperamento suficiente como para defender el trabajo que realiza "porque creo que yo puedo estar equivocado al igual que puede estarlo cualquier otra persona".

Por eso, el Premio Príncipe de Asturias destacó que es muy difícil comenzar a dar clase en una facultad de Bellas Artes actual porque cada alumno buscará dedicarse a otro tipo de arte, y en ese sentido se planteó "de que le sirve a un joven hacer muchos desnudos cuando lo que quiere es dedicarse a otro tipo de arte". LA DUDA COMO SOLUCIÓN

Ante esta situación, el conferenciante propuso como una posible solución recurrir a la duda. "No hay que empeñarse en tener razón sino dudar junto el que está contigo, más joven, y ver a dónde nos conduce todo esto", explicó Antonio López, que añadió que la duda es necesaria en la sociedad actual "donde los pilares en los que estaban apoyados las certidumbres se nos han hundido, y por tanto lo único que nos queda es la buena fe", dijo.

Antonio López García se mostró muy satisfecho de que este año por primera vez la UEx haya organizado un "Curso sobre artes plásticas: pintura y dibujo", que se celebrará entre los días 21 al 25 de julio en el Monasterio de Yuste y que impartirá él mismo, "y ahí tengo mucho más que decir porque llevo ya medio siglo trabajando", explicó el pintor, que recordó los cinco años, entre 1964 y 1969, en los que trabajó como profesor en la Real Academia de San Fernando.

Sobre el arte extremeño, López García manifestó que a su juicio, el mejor pintor que ha tenido la región ha sido Zurbarán, y tras él Eugenio Hermoso, del que fue alumno cuando este estaba a punto de jubilarse, y al que recordó como "un hombre de una gran finura, de muy buena fe y de un candor impresionante, y así le fue a veces de mal en sus últimos años", apuntó. UN ARTE MEDIOCRE

El pintor aseguró que necesita el arte para vivir, "porque el buen arte surge de la parte noble del ser humano", aunque lamentó que en los últimos tiempos el arte está contaminado por una parte de la sociedad, "que contamina al político, al religioso y al artista", y en ese sentido explicó que esta mañana visitó el Museo Provincial de Bellas Artes de Badajoz, "y he visto cuadros muy mediocres, porque la mediocridad ha existido siempre", y lo mismo le ocurre, dijo, cuando acude al Museo del Prado, "y siempre acabo prácticamente visitando a Velázquez, es decir, al final acabas haciéndote muy selectivo".

Acerca de sus trabajos actuales, Antonio López explicó que está trabajando en un cuadro que le ha encargado la Casa Real y en el que está retratando de pie y a tamaño real a todos los miembros de la familia real, y por otro lado, también está pintando un paisaje de Madrid.

Antonio López García nació en Tomelloso, Ciudad Real, en 1936, y se formó artísticamente junto a su tío, también pintor, Antonio López Torres. En su obra ha tenido una gran influencia Salvador Dalí, de quien tomó el gusto por la realidad y el predominio del dibujo sobre la pintura. Los protagonistas de sus cuadros son los objetos y los sucesos de la vida cotidiana.

El pintor Antonio López García dice que la enseñanza de las Bellas Artes está en crisis.

EUROPA PRESS El Mundo Universidad - Actualidad - 19/06/2003

calma, tiempo y tonos

2007-05-15T14:23:00.000-07:00

Aquí, la ponderación del tiempo, el cómputo sin pausa, el paso del tiempo, la suprema densidad, aquí, del tiempo.

El choque inmediato de la contemplación, de cara a una obra de Antonio López-García, es el choque súbito con la faz, con la materia misma del tiempo.

Una sustancia densa y diacrónica (no la pátina amarillenta del arcaísmo) inunda, sustenta y aclimata el lugar común, el suceso diario, la temperatura hodierna — diremos con Heidegger — de estas escenas cotidianas, próximas a las cosas de la costumbre, desprovistas aparentemente de onticidad fugazmente convertidas en entidades absolutas.

Cosas son, como las cosas, elegidas de entre las cosas, cuyo conocimiento y elaboración costaron a su hacedor tiempo indecible y paciente empeño, y ahora se consolidan, plenas de concreción, ante los ojos y se nos ofrecen como un instante absoluto, como duración eternizada y detenida.

La capacidad contemplativa y operativa exceden, en el proceso instaurador de Antonio López-García, toda medida, todo límite.

No hay lapso temporal capaz de interrumpir o distraer la obstinación en hacer suya (átomo por átomo) la presencia desnuda de las cosas.

Ningún reclamo haría decrecer o demorar su cauteloso acercamiento a ellas o sustraerlo de su conciencia embargante, de su posesión.

¿Cuánto tiempo emplea Antonio López-García en la consumación de una. de cada una de sus obras ? La verdad absoluta que, impregnada en el poso del tiempo, suscita ahora o maravilla, cual insólita revelación, nuestro mirar, ahorra por si misma el recuento del calendario.

Una de sus últimas creaciones (sea ejemplo) llevaba, bajo la firma, esta significativa datación : 1961-1970. Nueve años de íntima concentración, de propósitos y renuncias, de idas y venidas en tomo a un mismo quehacer..., son más que suficientes a la hora de ejemplificar la tenacidad, la incidencia, el grado incoativo, durativo y perfectivo de los trabajos y los días de nuestro hombre.

Esta verdad absoluta, decantada en la interdistancia de una duración esencial y detenida en el asombro de nuestra mirada, es el fruto sazonado por una lenta palpación : un supremo acto de fe pronunciado por Antonio López-García de cara a las cosas y de espaldas al tiempo.

¿A quién no ha cautivado el rasgo furtivo y subyacente que en tantas y tantas obras de Velázquez (traiga el lector a su memoria el Felipe IV enlutado o el ecuestre del Museo del Prado) descubren, bajo la composición definitiva, el trasunto de otros aconteceres soterrados, velados, desvaídos, pero indelebles en la intersección de diversas temporalidades, a manera de estratos en que su funde una misma realidad ?

Más complejo es aún el proceder de Antonio López-García, más tensa y palpitante su pugna con el tiempo (¡eterna lucha entre el tiempo y la memoria !) y más profundas las huellas que el tránsito de la edad va imprimiendo sobre la faz definitiva de cada una de sus obras.

Porque aquí el acaecerse interrumpe con la luz de la estación que fenece, para reanudarse en otro amanecer o amaneceres que anuncian o contienen o exigen formas nuevas. incluso insospechadas, de la conciencia y de la manifestación.

Esta afluencia de aconteceres distintos, aunque convergentes en el suelo de una misma realidad, de distintas circunstancias, luces, objetos, datos, perspectivas, relaciones.... va sedimentando y acreciendo un argumento interminable, en el que late al vivo la pulsación sonora del tiempo.

El paso y el retomo de las luces, los días, las estaciones..., contemplan el paciente empeño de Antonio López-García tras la aprehensión (calma, continua, minuciosa) de aquel fragmento de la realidad que, cayendo epifánicamente bajo sus ojos, como el zig-zag del relámpago, ha de concretarse en obra consumada y bien consumada.

Deseche el lector todo acento metafórico o hiperbólico en la alusión al paso y retorno de las estaciones- Antonio López-García es muy capaz de esperar el otoño venidero, para concluir un perfil, un contorno, una luz, una tonalidad, con el mismo verismo que tuvieran en el otoño ido.

Aquí yace el secreto de las cosas (cosas entre las cosas), reveladas por Antonio López García. Un acto de fe, una antigua creencia, cuya raíz penetra la raíz del tiempo, ha brotado del trasfondo de su sentir; sus ojos asiduamente clarificados en la contemplación de la naturaleza embargante, en la pulsación de la realidad, (ceñida por las márgenes de la temporalidad, de la diacronía) han divisado la belleza del mundo y su mano la trasmite, estrato tras estrato temporal, a la contemplación de los hombres.

Un proceso equivalente e inverso, amasado por el tránsito del tiempo, se origina ahora en la sensibilidad del contemplador, hasota acercarle a los afluentes de la genuinidad. de su misma memoria. Y estas cosas cotidianas, este lugar común, esta temperatura hodierna, suscitan en el recuerdo remoto de quien las mira. una mezcla de familiaridad y de asombro, un inmenso paréntesis de evocación, en el que se esclarece y vivifica la plenitud proustiana del tiempo perdido.

análisis del arte en España

2007-05-15T14:21:00.000-07:00

Antonio López en uno de sus estudios madrileños, una pieza minúscula con poca luz y una decoración de cuarto alquilado. Algo así como irse a vivir a un cuadro de Antonio López.

Pregunta. Cuando le sugerimos que se fotografiase en El Prado, contestó. ‘¡No, yo no tengo nada que ver con eso!’.

Respuesta. ¡No! ¡Sí tengo que ver! ¡Cómo no voy a tener que ver! Pero usted puede tener que ver con las mujeres y no querer que le hagan las fotos en un prostíbulo.
P. ¡Chapeau!
R. Quiero decirle que mi vida no ha transcurrido en un museo. El museo es para mí lo mismo que para usted: un lugar donde hay unas gentes que a uno le interesan muchísimo. Lo visitas de vez en cuando. Pero yo me he formado en la vida. No soy un intelectual. Por eso no me parecía bien fotografiarme allí. Ni por El Prado, ni por mí. Era un poco caprichoso. Si me preguntaran qué proporción de horas de mi vida ocupa El Prado, tendría que contestar que una proporción muy pequeña. ¡Y eso que yo soy de los que va!

P. ¿Ha copiado algo allí?
R. No. Sólo he hecho una copia, cuando era estudiante de Bellas Artes, y porque me la encargó un escritor inglés que tenía un pariente lejano del siglo XVIII al que había pintado Batoni. Pero el cuadro ni siquiera estaba en El Prado, sino en el Museo de la Academia. Me gustó hacerlo. Uno de los profesores que tuve cuando era estudiante, el más prestigioso, me dijo que a mí me vendría bien copiar en El Prado. Pero como entonces no te explicaban porqué y a mí no me apetecía, no lo hice.

P. ¿Usted se inscribiría sin problemas en una tradición española?
R. Yo pienso que sí. Los españoles somos españoles.

P. De estos axiomas tan precisos es de los que más suele dudarse. R. Llámelo como quiera: tradición, genética o destino. Los franceses son franceses, los españoles, españoles. En el arte se nota mucho. Pero no sólo eso, sino que yo veo a Dalí, catalán, y a Romero de Torres, andaluz, y a Zurbarán, extremeño, y a mi tío, que era un gran pintor, del que yo aprendí, un hombre en la penumbra, pero un pintor enorme, yo a mi tío lo veo castellano y a Sorolla, levantino; que Oteiza y Chillida son vascos lo noto enseguida… Y todos ellos tienen ese algo en común. Lo que pasa es que dentro de ese acorde común pasan muchas cosas, porque España es muchas cosas. En realidad mucho más misterioso que las nacionalidades en el arte es el hecho de que cada época dé un arte distinto. Porque el hombre es el mismo.

P. ¿Qué es exactamente lo que le parece misterioso?
R. Me resulta chocante que el Romanticismo, por ejemplo, aparezca con esa rotundidad y claridad en un determinado momento, cuando el hombre es siempre igual… de romántico. Si no hubiera todo un maquillaje estético, el arte sería mucho menos variable en cada época y obedecería en cada época no a estilos, sino sencillamente a conocimientos, que es algo muy distinto. Si ves un mural de Giotto y otro de Masaccio, comprendes que han pasado setenta y cinco años. Giotto sabía menos que Masaccio, porque Masaccio estaba en esa búsqueda del lenguaje de la realidad, de aprehender la realidad, sabía lo que era el volumen y las proporciones, sabía situar una figura en una calle. Todo eso está muy bien pero no es estilo, es técnica, conocimientos. Y a partir de ahí, que todo fuera a merced de razones animales, parecería lo normal. Pero no, aparece lo otro, aparece el Romanticismo. Una fiebre. Cuando se pasa la fiebre, al artista le pasa lo que a las gallinas cluecas. Vuelven a ser gallinas.

P. ¿El horizonte de un pintor del siglo XV era mucho más limitado que el suyo?
R. O no. Yo no lo sé. Estamos hablando de pintura, no de otra cosa. La pintura sólo tiene que ver con los sentimientos. El Bosco, en su siglo, veía muchísimas cosas, mucho más de lo que ve la gente hoy en día. Sólo hay que ir a El Prado. A mí me han interesado mucho sus alucinaciones. El Bosco es un resumen: ahí está todo el Renacimiento: lo que conocían, lo que desconocían, lo que temían, la oscuridad, la claridad. A usted le puede gustar más Vermeer. Y ya se puede usted imaginar lo que me gusta a mí Vermeer. Pero eso no quiere decir que detrás no haya cosas del mismo valor. Vermeer no se hubiera dado sin todo lo anterior. Piero de la Francesca me decepcionó muchísimo a los diecinueve años y luego cuando volví a verle, no hace tanto, me impresionó. Un hombre ahí, tan solo, que tenía unos conocimientos tan limitados y qué obra nos dejó… Vermeer, desde luego, está muy cerca de nosotros, de todo lo que hemos visto en el cine, en la fotografía, y eso no deja de ser algo asombroso, que ese hombre, cuatro siglos antes, tuviera la revelación de cómo es la mirada del hombre sobre las cosas.

P. La revelación del realismo.
R. Pero no sólo eso. ¡Es su atrevimiento! ¿Pero cómo pone delante de la figura humana un jarrón o un tapete, si el rey de la creación es el hombre? Ésa era una revolución tan impresionante que no se vio en su momento. Pasó inadvertido. Pero me impresiona muchísimo. Como El Bosco. A mí El Bosco me impresiona porque pintó lo que pintaría después el surrealismo, esa parte que pertenece a los sueños, a los deseos, los temores, la parte irracional. O sea, todo lo que también es real. Ese sortilegio que tiene Vermeer lo tiene también El Bosco, eso indefinible, el misterio.

P. No ha precisado qué tienen en común los españoles desde el punto de vista del arte.

R. Yo viajé muy poco de joven y cuando hice mi primer viaje a Italia llevaba mucho tiempo soñando lo italiano desde aquí. Pues bien, allí vi lo que era lo español. Una manera muy despojada de mirar las cosas, muy desmaquillada y muy respetuosa. Y que tiene una energía tremenda. Es una forma de decir la verdad un poco arriesgada. Es probable que a veces no se entienda. Pero tiene que existir esta gente que diga así las cosas. Para llegar a ese nivel sin maquillaje, sin andamiaje estético evidente, hace falta ser muy grande, porque si no acabas en la obviedad, haciendo unas obras muy chatas y toscas. Pero cuando comparas a David o a Ingres con Goya notas la diferencia. En Goya ves el alma de las cosas de una manera muy directa. Es lo mismo que nos impresiona en Bacon: artista sin intermediarios. El arte español no tiene ese ropaje fastuoso, por eso es difícil llegar a él, y se tardó en llegar. A Velázquez se tardó en llegar. Cuando decían que no sabía pintar más que cabezas, era por algo. Echaban de menos el refinamiento, porque pintaba esas cosas groseras, que no eran más que la vida, como el aguador, y en su época les parecía que mutilaba lo principal del hecho artístico. Hacía falta tener mucho valor, mucha rebeldía y mucha fe para ver que un aguador podía reflejarse en el lienzo. Bien: quizá me haya perdido contestándole. Pero creo que en todo eso está lo español.

P. Un cierto desasimiento.
R. Puede que sea la palabra. El español no sabe muy bien por qué hace las cosas. Por eso un hombre como Sánchez Cotán hizo seis bodegones maravillosos y los dejó de hacer. Es como una especie de destino que le lleva, para su desgracia, a hacer algo que le puede acarrear problemas. Pero si no se los acarrea y encuentra suficientes apoyos, llega a hacer algo de mucho valor para los demás. Únicamente los españoles lo han hecho con ese carácter. Pasa con Picasso. Si se compara Picasso con Matisse se ve que Picasso es directo: crees lo que está contándote. Cuando llegas a amarlo no tiene precio. El problema aparente del español, sin embargo, es que nunca figuró en los ambientes de prestigio, que fueron italianos, alemanes y flamencos. De fuera siempre llegaron las cosas más atrayentes y vistosas… Si Goya hubiera tenido que hacer esa obra en Francia lo habría tenido difícil. A Goya lo que le salvó fue la ignorancia de su propio arte. Era un hombre elemental en el buen sentido de la palabra. La estética española no ha tenido la suficiente fuerza para convertirse en una estética de prestigio No ha existido y no ha podido obrar. Ha costado mucho todo esto. Han tenido que decirlo Thomas Mann o Dostoievski para que esa broma inmensa tuviera la seriedad de la vida.

P. Quiere decir que la ausencia de esa estética dominante ha dejado en libertad al artista español para poder contar las cosas de una manera inédita.
R. Sí, eso creo.

P. Cuando hablaba del arte español me parecía oír rasgos de una hipotética autobiografía pictórica.
R. No lo crea. Yo viajé poco y por entonces todo lo que a mí podía interesarme, o aclararme de mis confusiones, no andaba por aquí. A mi tío yo no lo entendía. Algunos sufrimientos me habría ahorrado. Algún tiempo y alguna duda también. Pero a lo mejor ya está bien que todo haya sucedido tal como ha sucedido.

P. ¿La cultura moderna española se ha librado del canon de lo abstracto?

R. Entre pintores, nunca me he hecho esta pregunta. El arte abstracto es un espacio de conocimiento más que se ha abierto, absolutamente necesario, y que perdurará más o menos según quien lo haga. Es decir, lo mismo que pasa con la figuración.

P. En realidad, yo no quería hablarle de cultura, sino de política cultural.
R. Hay gente que nunca ha caído ahí, pero la España oficial está metida de patas en ese dogma. La España oficial, cómoda, confortable, se ha metido ahí. Es un sitio estupendo. Como no entiende nada de lo que pasa ahí la situación es de confort total. Si han aceptado el canon de lo abstracto es porque alguien lo ha decidido así. Es la primera vez que esto ocurre. Antes hablábamos de unos reyes que decidían por sí mismos sus gustos y obraban en consecuencia. Hoy, en cambio, hay una sociedad que ha delegado en los que saben y se ha quedado tranquila. La diferencia entre Felipe II y un ministro de Cultura de nuestra época es que Felipe II dudaba, y esas dudas le ocasionaban a veces grandes quebraderos de cabeza. Hoy el ministro de Cultura le dice a un especialista: ‘Oye, amuéblame el despacho’. Hay una conciencia de que el arte es muy difícil de comprender, lo cual es cierto. Pero en vez de admitirlo y de relacionarse con el arte desde la ignorancia, desde la fértil humildad de la ignorancia, han preferido delegar.

P. Pero las personas que conocen han establecido el canon de lo abstracto.
R. Claro, porque esas personas están en la aduana. En este momento en España parece que todo el mundo comprende la abstracción y sólo la figuración está en conflicto permanente. Es curioso pero sólo ha pasado con las artes plásticas.

P. Relativamente, también la literatura o el cine tuvieron ese momento.
R. Pero es incomparable. Quizá es que las artes plásticas son muy fáciles de ver; quiero decir que hay que hacer muy poco esfuerzo para entrar en ellas: basta con echarles una mirada… La pintura entra muy poco en tu vida: puedes tener con ella una relación puramente epidérmica. Ahora bien; nada de todo eso quita que yo entienda toda la grandeza de la abstracción. Había que llegar ahí. Sabemos lo que es Vermeer gracias a la abstracción, sabemos lo que es un azul al lado de un gris, una forma grande y otra pequeña, gracias a la abstracción. Y todo eso permite conocer y apreciar Vermeer, precisamente. A mí, en todo caso, lo que me parece mal es quedarse ahí. En arte todos son lugares de paso. No hay un lugar, en arte. Si lo hay, pierdes la libertad.

P. ¿Usted no la ha perdido?
R. No. No la he perdido.

P. A veces, parece como si se hubiera metido en el establishment a codazos.
R. A lo mejor sí, por qué no. Yo he estado en galerías importantes. Y hay muchas colecciones en las que abstractos y figurativos estamos todos metidos. Yo no veo que nuestras diferencias sean tan determinantes. Hay gente que va a Venecia, es verdad. Yo no voy. Pero los que van a Venecia también se pierden cosas importantes. Y de todos modos, ir a Venecia no es sinónimo de representar a todos los artistas españoles. Eso hace mucho que ya desapareció.

P. ¿Ha pensado que su arte puede haberse visto favorecido por el desprecio?
R. No. Ir a contrapelo nunca es bueno. Es como caminar con el viento de frente. Si no hay más remedio, caminas y si tienes suficiente energía, llegas. Pero es agotador. Se crean, además, muy malos rollos. A mí no me gustan las malas relaciones y me ha tocado vivir muchas. Hablo del plano estrictamente espiritual, no de ver quién gana más dinero. Estamos todos en la misma aventura y sentimos lo mismo. Pero ha habido unas batallas que se podrían haber evitado. Si se hubiesen evitado, tal vez habrían surgido mejores pintores. Esto ha pasado en España más que en ningún otro sitio. En Italia, por ejemplo, alientan a los artistas con independencia de los cánones. Se da una complicidad con el artista. Veláquez parece un milagro, nacido como una semilla en un erial. De Velázquez a Goya casi no hay nadie. El erial. No siempre se da la misma suerte. ¿Cómo se pudo gestar El Quijote? Lo más sencillo, lo más probable, es que no hubiera aparecido.

P. Bueno, eso es pura historia de España.
R. Pues a lo mejor, sí. A lo mejor se tienen que dar las máximas dificultades: y el que sale, y el que aguanta, y el que que todo lo puede es, entonces, un Velázquez.

P. ¿Cree que ha habido un cambio de paradigma cultural en España, a partir del Gobierno del Partido Popular?
R. ¿Y usted cree que ha habido un cambio entre la izquierda y la derecha? No, hombre, no, de ninguna manera. Estamos en el esplendor del capitalismo: la izquierda es imposible. Quizás lo que corresponde de una manera natural a este tiempo es la derecha, que es la que tiene que mentir menos. Que se cepille un poco y que trate de hacer las cosas bien. Me parece que tiene sus ventajas: no se sorprenden de comer cocochas o de viajar en primera. Creo que pueden ser más honrados y más naturales. Y en lo cultural…, la derecha está encantada de apostar por el arte abstracto, porque es una manera rápida de quitarse sambenitos de encima.

P. O sea…
R. O sea que la mala gente siempre hace la vida imposible a la buena gente. Pero, ¿qué se puede hacer?

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Por ARCADI ESPADA para El País

el triunfo solitario

2007-05-15T14:19:00.000-07:00

Durante la mayor parte de su carrera, Antonio López ha trabajado prácticamente solo, en medio de un panorama artístico dominado primero por la abstracción y el informalismo y luego por las corrientes conceptuales.

En los años sesenta y buena parte de los setenta su prestigio crece de manera silenciosa pero efectiva, exponiendo poco, pero con éxito cada vez mayor. Ni siquiera es posible establecer vínculos muy convincentes entre su obra y las nuevas tendencias figurativas europeas o el hiperrealismo americano.

Hasta los años ochenta las exposiciones individuales han sido escasas: París y Turín en 1972, y París, de nuevo, en 1977. En 1985 coincide su primera antológica en el Museo de Albace con una retrospectiva en Bruselas en el marco de Europalia ‘85, que ese año se dedicó a España.

Un año después, dos nuevas muestras en Nueva York y Londres son el pórtico de la gran antológica celebrada en 1993 en el Museo Reina Sofía de Madrid, definitiva consagración de una talla universal que estaba reconocida ya desde hace años.

D.G. Paola Fraticola

una mirada intensa

2007-05-15T14:16:00.000-07:00

A las calles de Tomelloso las suceden las vistas panorámicas de Madrid, la primera de las cuales data de 1960, que irán constituyendo después uno de los capítulos más conocidos y asombrosos de su producción.

Su obra empieza a ganar reputación, primero nacional -en 1961 celebra su primera muestra individual en una galería comercial de Madrid- y enseguida internacional -en 1965 y 1968 expone en la Staempfli Gallery de Nueva York-.

Como en los inicios de su carrera, Antonio López sigue fiel a los temas cercanos -escenas caseras, imágenes de su mujer y sus dos hijas, objetos anónimos y humildes del entorno doméstico, espacios desolados, imágenes de su jardín-, pero su presencia es cada vez más intensa, más precisa y, al tiempo, más enigmática.

La ejecución de los cuadros se dilata -hay obras en las que ha trabajado a lo largo de más de veinte años, hasta abandonarlas en un estadio que el artista no acaba nunca de considerar definitivo-, por lo que, a pesar de una dedicación constante y exhaustiva, su producción es corta en número.

realismo mágico

2007-05-15T14:15:00.000-07:00

La rotunda definición de los volúmenes en sus primeras obras -Josefina leyendo (1953)- acusa esa influencia del quattrocento italiano.

La preocupación por la solidez plástica y la composición precisa le lleva también a interesarse por Cézanne y el cubismo -Mujeres mirando los aviones (1954)-, en temas relacionados siempre con su entorno familiar en Tomelloso.

A partir de 1957, su obra registra un cierto giro surrealizante: figuras y objetos que flotan en el espacio, imágenes sacadas de contexto que se relacionan de forma conflictiva empiezan a poblar sus cuadros.

El lenguaje, sin embargo, sigue vinculado a ese clasicismo táctil y volumétrico de sus primeras obras. La veta fantástica se mantiene al menos hasta 1964 -todavía es muy perceptible en Atocha, terminado ese año-, aunque, desde 1960, pierde intensidad; por una parte, cada vez son menos los cuadros en los que se recurre a esos mecanismos y, además, Antonio López muestra un creciente interés por la fidelidad en la representación, independientemente de la carga narrativa contenida en ella.

Es como si el pintor fuera cada vez más dependiente del motivo, como si necesitara tenerlo delante para recrearlo en sus mínimos detalles.

Esa doble vertiente de su pintura de aquellos años trajo aparejada su adscripción por la crítica a lo que, sobre todo en las décadas de los sesenta y setenta, se llamaba realismo mágico, una denominación que al artista siempre le ha parecido redundante.

Lo cierto es que sus cuadros y dibujos se acercan cada vez más, como ha escrito Brenson, a "ese sentido de la densidad de lo que llamamos el mundo visual", y que resulta una recreación minuciosa y casi obsesiva del motivo.

el Madrid de posguerra

2007-05-15T14:14:00.000-07:00

Entre 1950 y 1955 lleva a cabo los estudios de Bellas Artes de forma brillante, acaparando buen número de premios.

De la Escuela proceden sus amistades en el mundo de las artes; allí coincidiría con María Moreno -también pintora, con la que se casará en 1961-, Lucio Muñoz o Enrique Gran -cuya carrera ha discurrido después ligada a la abstracción-, así como con los escultores Julio y Francisco López Hernández.

Estos dos últimos, junto con Amalia Avia, Isabel Quintanilla y el propio Antonio López, integran un grupo realista afincado en Madrid que empieza a ser reconocido como tal a partir de los años sesenta, por más que ellos insistan siempre en que su relación es amistosa más que programática.

El Madrid de la posguerra estaba muy aislado del panorama internacional de las artes y la cultura, y toda la información a la que tiene acceso Antonio López en esa época sobre arte moderno -y buena parte del antiguo- se reduce a escasos libros ilustrados de la biblioteca de la Escuela o procedentes de Argentina que los jóvenes inquietos pasaban de mano en mano; así debió de conocer por vez primera la obra de Picasso y otros grandes artistas de la vanguardia histórica.

En 1955, una beca le permite viajar a Italia con Francisco López y allí surge una cierta decepción ante la pintura italiana del Renacimiento -por la que hasta el momento sentía gran interés-, revalorizando la pintura española que había podido ver a sus anchas en el Museo del Prado, especialmente Velázquez, una referencia constante, junto con Vermeer, de su concepción artística.

artículos en publicaciones

2007-05-15T14:13:00.001-07:00

A. C.: «Felipe González quiere visitar la muestra de "Antoñito"». La Verdad, Albacete, 4 junio 1985.
A.M.F.: «Antonio López: "Esta es una ciudad con carácter, pero está un poco abandonada"». La Nueva España, Oviedo, 10 abril 1991. (Pág. 5.)
A. S.: «Un retazo de eternidad impregna la exposición antológica de Antonio López». El Adelantado de Segovia, 20 mayo 1993.

ABERASTURI, Andrés: «Antonio López». El Comercio, Gijón; Diario de Burgos. (Pág. 61); La Voz de Galicia, La Coruña. (Pág. 10), 5 mayo 1993.
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1.3. Textos en catálogos de exposiciones

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BONET CORREA, Antonio: «Arte y realidad en Antonio López García». Antonio López García. Cat. de la exposición celebrada en el Museo de Albacete, 10 mayo‑30 junio 1985.
BONET CORREA, Antonio: «La leyenda de la realidad». Antonio López. Pintura, Escultura, Dibujo. Cat. de la exposición celebrada en Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, mayo‑julio 1993. (Págs. 17‑28: castellano y 29‑38: inglés.)
FAERNA GARCÍA BERMEJO, José María, Antonio López García, el significado de la realidad. Colección Grandes Pintores del S.XX., Nº30, GLOBUS, Madrid, 1995

FERNANDEZ ORDOÑEZ, José Antonio: «Antonio López García». Europalia 85 España. Cat. de la exposición celebrada en Bruselas, Musée d'Art Moderne, 26 septiembre‑22 diciembre 1985. (Págs. 36‑40.)
MARTÍNEZ SARRIÓN, Antonio: Un maravilloso silencio. Antonio López. Proceso de un trabajo, Fundación FOCUS, Sevilla, 4 nov, 1994 - 15 enero,1995
NIEVA, Francisco: «Antonio López, témoin de la rose». Europalia 85 España. Cat. de la exposición celebrada en Bruselas, Musée d'Art Moderne, 26 septiembre‑22 diciembre 1985. (Págs. 11‑24.)
NIEVA, Francisco: «La evolución de Antonio López». Antonio López. Pintura, Escultura, Dibujo. Cat. de la exposición celebrada en Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, mayo‑julio 1993. (Págs. 41‑47: castellano y 51‑57: inglés.)
NIEVA, Francisco: «Notes sur quelques tableaux représentatifs». Europalia 85 España. Cat. de la exposición celebrada en Bruselas, Musée d'Art Moderne, 26 septiembre‑22 diciembre 1985. (Págs. 25‑28.)
NIEVA, Francisco: «Introduction». Antonio López García. Paintings, Sculptures and Drawings: 1965‑1986. Cat. de la exposición celebrada en Nueva York, Marlborough Gallery Inc., 3‑26 abril 1986 // Londres, Malrborough Fine Art (London) Ltd., 9‑31 mayo 1986. (Págs. 4‑5.)
NIEVA, Francisco: Noticia de Antonio López. Colección Galería de Arte Contemporáneo. Nº3. Ediciones ALTAYA, Barcelona, nov.1999
RAMO, Joaquín: Mi amigo Antonio. Antonio López. Proceso de un trabajo. Fundación FOCUS, Sevilla, 4 nov 1994 - 15 enero, 1995
STAEMPFLI, George W.: «Antonio López García». Antonio López García. Cat. de la exposición celebrada en Nueva York, Staempfli Gallery, 29 octubre‑16 noviembre 1968.
STAEMPFLI, George W.: «Antonio López García». Antonio López García. Paintings and Sculptures. Cat. de la exposición celebrada en Nueva York, Staempfli Gallery, 13 abril‑1 mayo 1965.
TESTORI, Giovanni: Antonio López García. Cat. de la exposición celebrada en Turín, Galleria Galatea, 6 abril‑3 mayo 1972.
TESTORI, Giovanni: «Lo efímero y lo eterno». Antonio López. Pintura, Escultura, Dibujo. Cat. de la exposición celebrada en Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, mayo‑julio 1993. (Págs. 63‑68: castellano y 71‑77: inglés.)
TUSELL, Javier: Las raíces del realismo. Cat. de la exposición El realismo en sus raíces, Centro Cultural Caixavigo, Vigo, 1996
TROCHE, Michel: Antonio López García. Cat. de la exposición celebrada en París, Galerie Claude Bernard, 1972.
ULLAN, José Miguel: «Antonio López García et les façons du regard». Europalia 85 España. Cat. de la exposición celebrada en Bruselas, Musée d'Art Moderne, 26 septiembre‑22 diciembre 1985. (Págs. 29‑40.)
MUÑOZ AVIA, Rodrigo. “Criaturas humanas: a propósito de Hombre y Mujer de Antonio López”. Cat. de la exposición celebrada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía por las obras “Hombre y Mujer”, octubre de 2001.

premios

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1949 Premio Provincial de Pintura de Educación y Descanso, Ciudad Real
1950 Premio Extraordinario (Dibujo Artístico) de la Escuela de Artes y Oficios de Madrid
1950‑51 Premio en la asignatura Dibujo del Antiguo y Ropajes
Premio de Dibujo de la Real Academia de Bellas Artes
1951‑52 Premio en la asignatura Dibujo del natural, 1.er curso
Premio de Pintura «Carmen del Río» de la Academia de Bellas Artes de San Fernando
1952‑53 Premio «Estado» en la asignatura Colorido y Composición, 1.er curso
Premio de Pintura «Carmen del Río» de la Academia de Bellas Artes de San Fernando
1953‑54 Premio «Madrigal» en la asignatura Colorido y Composición, 2.º Curso
Pensionado «El Paular» en la asignatura de Paisaje
1955 Bolsa de viaje a Italia del Ministerio de Educación (III Concurso Nacional para Artistas Plásticos)
1957 Premio de la Diputación de Jaén en la Exposición Nacional de Bellas Artes
1958 «Molino de Plata» en la Exposición Regional de Valdepeñas
Premio «La Naturaleza Muerta» de la Fundación Rodríguez Acosta de Granada para viajar a Italia
Pensión de Estudios del Ministerio de Educación Nacional para viajar a Grecia
1959 «Molino de Oro» en la Exposición Regional de Valdepeñas
1961 Beca de la Fundación Juan March
1965 Premio Nacional de Arquitectura, junto al arquitecto Eliodoro Dols
1974 Premio de la Ciudad de Darmstadt, Alemania
1983 Premio Pablo Iglesias Medalla de Oro al Mérito en las BellasArtes
1985 Premio Príncipe de Asturias de las Artes ABC de Oro
1986 Medalla de Oro de Castilla‑La Mancha
1990 Medalla de Oro de la Comunidad de Madrid
1992 Premio Tomás Francisco Prieto por la Casa de la Moneda, Madrid
2003 Premio de Artes Plásticas y Arquitectura de El Mundo y la Comunidad de Castilla La Mancha.

...

El 24 de mayo de 2006 recibe de manos del Príncipe de Asturias el Premio Velázquez de las Artes Plásticas en reconocimiento a su trayectoria artística.

museos y colecciones públicas

2007-05-15T14:10:00.001-07:00

Alemania: Hamburger Kunsthalle, Kupferstichkabinett
Alemania: Darmstadt. Hessisches Landesmuseum

Venezuela: Caracas. Museo de Arte Contemporáneo de Sofía Imber
España: Valladolid. Ayuntamiento
España: Barcelona. Colección de Arte Contemporáneo de la Fundación «La Caixa»España: Oviedo. Colección Masaveu
España: Madrid. Fundación Juan March
España: Madrid. Fundación ICO
España: Valdepeñas. Ciudad Real. Museo de Bellas Artes
España: Madrid. Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
España: Santander. Museo Palacio de Elsedo, Pámanes
España: Jaén, Museo Provincial
España: Ciudad Real. Museo Provincial
España: Toledo. Museo de Arte Contemporáneo
España: Santander. Palacio de Festivales, Colección Telefónica de España, S. A.
Estados Unidos : New York. The Museum of Modern Art,
Estados Unidos: New York. Chase Manhattan Bank,
Estados Unidos: Ohio. The Fleichmann Foundation, Cincinnati,
Estados Unidos: Ohio. The Cleveland Museum of Art,
Estados Unidos: Maryland. The Baltimore Museum of Art,
Estados Unidos: Massachuetts. Fogg Art Museum, Harvard University,
Francia :París. Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou,
Japón : Nagasaki. Prefectural Museum of Art,
Italia : Abruzzo. Museo Constantino Barbella de Chieti, .

exposiciones colectivas

2007-05-15T14:09:00.001-07:00

1949 Exposición Provincial de Pintura Educación y Descanso, Ciudad Real
1952 XIII Exposición Provincial de Artes Plásticas, Valdepeñas, Ciudad Real
1954 Exposición Nacional de Bellas Artes, Madrid, Ministerio de Educación Nacional
38 Artistas jóvenes, s/l., Departamento de Cultura, Delegación Nacional de Educación, s/d.¿1954‑55?
1955 Antonio López, Lucio Muñoz, Julio López Hernández y Francisco López Hernández, Madrid, Sala de la Dirección General de Bellas Artes, 2 enero
III Concurso Nacional de bolsas de viaje para artistas plásticos, Madrid, Salas del Círculo Cultural Tiempo Nuevo, 7‑17 mayo
Arte joven, Zaragoza, Palacio de La Lonja, posteriormente itinerante durante el año
1957 Exposición de artistas manchegos de hoy, Madrid, Museo Nacional de Arte Moderno, marzo
El paisaje. Primer Concurso Exposición, Granada, Fundación Manuel‑José Rodríguez Acosta, junio‑julio
XVIII Exposición manchega de artes plásticas, Valdepeñas, Ciudad Real
Exposición Nacional de Bellas Artes, Madrid, Dirección General de Bellas Artes del Ministerio de Educación Nacional
1958 Segundo concurso exposición La naturaleza muerta, Granada, > Fundación Manuel‑José Rodríguez Acosta, junio‑julio
XIX Exposición manchega de artes plásticas, Valdepeñas, Ciudad Real
1959 Los niños. Tercer concurso exposición, Granada, Fundación Manuel José Rodríguez Acosta, junio‑julio
XX Exposición manchega de artes plásticas, Valdepeñas, Ciudad Real
1960 XXI Exposición manchega de artes plásticas, Valdepeñas, Ciudad Real
1962 Exposición antológica Asociación Española de Críticos de Arte. Sección Española de la AICA Madrid‑Barcelona, Temporada 1960‑61, Madrid, Salones de la Sociedad Española de Amigos del Arte, abril
1964 The 1964 Pittsburgh International Exhibition of Contemporary Painting and Sculpture, Pittsburgh, USA, Museum of Art, Carnegie Institute, 30 octubre, 1964‑10 enero, 1965
Galería Juana Mordó. Exposición inaugural, Madrid
Pintores españoles contemporáneos en la Feria Mundial de Nueva York, Nueva York
1965 Contemporary Spanish Artists, Waitsfield, Vermont, USA, The Bundy Art Gallery, julio‑octubre
1967 Profile VII. Spanische Kunst heute, Städtische Kunstgalerie Bochum, Alemania, 24 septiembre‑29 octubre
1967 Pittsburgh International Exhibition of Contemporary Painting and Sculpture, Pittsburgh,Museum of Art, Carnegie Institute, 27 octubre, 1967‑7 enero, 1968
1968 Spanische Kunst der Gegenwart, Kunsthalle Nürnberg, Alemania, 4 noviembre, 1967‑7 enero, 1968
Spanische Kunst heute, Berlín, Akademie de Künste, 11 febrero‑3 marzo

Hedendaagse Spaanse Kunst. Van Picasso tot Genovés, Rotterdam, Museum Boymans van Beuningen, 5 julio‑25 agosto
1969 10e Biennale Middelheim Antwerpen, Middelheim, Alemania, Kunsthistorische Museum Openluchtmuseum voor Beeldhouwkunt, 15 junio‑5 octubre
1970 3e Salon International de Galeries pilotes, Artistes et découvreurs de notre temps, Lausana, Musée Cantonal des Beaux‑Arts, junio‑octubre
3eme. Internationale der Zeichnung, Darmstadt, Alemania, Mathildenhöhe, 15 agosto‑11 noviembre
Magischer Realismus in Spanien heute, Frankfurt, Frankfurter Kunstkabinett Hanna Bekker vom Rath, 10 septiembre‑28 octubre
Exposición antológica de artistas premiados 1957‑1970, Fundación Rodríguez Acosta
Pintura‑Escultura‑Grabado, Madrid, Museo Español de Arte Contemporáneo, octubre
1971 A Selection of European and American Watercolors and Drawings, Nueva York, Marlborough Gallery
1973 Mit Kamera, Pinsel und Spritzpistole. Realitsche Kunst in unserer Zeit, Städtische Kunsthalle Recklinghausen, Alemania, 4 mayo‑17 junio
Contemporary Spanish Realists, Londres, Marlborough Fine Art, septiembre‑octubre
Arte'73. Exposición antológica de artistas españoles, Sevilla, Museo de Arte Contemporáneo, 14 noviembre‑4 diciembre;Zaragoza, Palacio de La Lonja, 14 diciembre,1973‑6 enero, 1974; Barcelona, Salón del Tinell, 14 enero‑2 febrero, 1974; Bilbao, Museo de Bellas Artes, 12 febrero‑14 marzo, 1974; Londres, Marlborough Fine Art (London) Ltd., 21 marzo‑6 abril, 1974; París, Espace Pierre Cardin, 29 abril‑11 mayo, 1974; Roma, Academia Española de Bellas Artes, 27 mayo‑15 junio, 1974; Zurich, Zunfthaus zur Meisen, 8‑28 julio, 1974; Palma de Mallorca, Círculo de Bellas Artes‑Casa Balaguer, 10 agosto‑2 septiembre, 1974; Madrid, Fundación Juan March, otoño 1974
Kunst nach Wirklichkeit. Ein neuer Realismus in Amerika und in Europa, Kunstverein Hannover, 9 diciembre, 1973‑27 enero, 1974
1974 ARS'74, The Fine Arts Academy of Finland, 15 febrero‑31 marzo
Hyperréalistes américains. Réalistes européens, París, Centre National d'Art Contemporain, 15 febrero‑25 marzo
Amerikaanse hyperrealisten, Europese realisten, Rotterdam, Museum Boymans van Beuningen, 1 junio‑18 agosto
El realismo, hoy, Valencia, Galería Val i 30, 22 octubre
1975 Arte español contemporáneo, Madrid, Fundación Juan March, 27 enero‑12 abril
Amalia Avia, Julio L. Hernández, Carmen Laffón, Francisco López, Antonio López García , Antonio López Torres, María , Moreno, Isabel Quintanilla, Sevilla, Galería Juana de Aizpuru, 24 abril‑20 mayo
Realismus und Realität, Kunsthalle Darmstadt, Alemania, 24 mayo‑6 julio
Masterworks in wood: The Twentieth Century, The Portland Art Museum, Oregón, 17 septiembre‑19 octubre
Spanische Realisten, Zürich, Galerie Kornfeld, 3 octubre‑15 noviembre
1976 Sculpture. Painting, Nueva York, Staempfli Gallery, 23 marzo‑1 mayo
Pintores manchegos, Ciudad Real, Banco de Santander, 29 marzo
Nouvelle subjetivité, París, Galerie Claude Bernard, 28 octubre‑19 diciembre
Recent work, Nueva York, Marlborough Gallery, 30 noviembre‑31 diciembre
1977 Arte español contemporáneo, Madrid, Fundación Juan March, julio‑septiembre
FIAC '77, París, Grand Palais, Marlborough Gallery, 22‑30 octubre
Realism in Spain, Nueva York, Staempfli Gallery, 8‑26 noviembre
Spanische Realisten, Hamburgo, Galerie Brockstedt, noviembre‑diciembre
1980 Spanische Realisten, Kunstverein Braunschweig, Alemania, 22 febrero‑7 abril
1981 Arte español contemporáneo. Colección de la Fundación Juan March, Cáceres, Sala de Arte El Brocense, 13 mayo‑7 junio
1982 I pittori spagnoli della realtà, Milán, Centro d'Arte Montebello, enero‑febrero
Important Paintings, Nueva York, Marlborough Gallery, 6‑27 noviembre
Arti visive'82, La Biennale di Venezia
Contraparada 3. Realismo español de hoy, Consejería de Cultura de Murcia
1983 Exposició d'escultura contemporània, Palma de Mallorca, Fundación Bartomeu March Servera, febrero‑marzo

Realidades, Cáceres, Institución Cultural El Brocense, mayo
Works on paper, Nueva York, Marlborough Gallery, 5‑29 noviembre
Realismo, Barcelona, Sala Vayreda, noviembre‑diciembre
1984 International Masters of Contemporary Figuration, Tokio, Marlborough Fine Art, 20 febrero‑7 abril
Realistes a Madrid, Barcelona, Saló del Tinell, febrero
La cultura en Castilla‑La Mancha y sus raíces, Madrid, Palacio de Velázquez, abril‑mayo
Arte español en el Congreso, Madrid, Congreso de los Diputados, 10 mayo‑30 junio
Masters of Modern and Contemporary Sculpture, Nueva York, Marlborough Gallery, 8 noviembre‑4 diciembre
1985 Figuras y figuraciones, Madrid, Galería Juan Gris, 18 abril‑mayo
Representation Abroad, Washington, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, 5 junio‑2 septiembre
Testimonio creador, Santander, Universidad Internacional Menéndez Pelayo, Fundación Marcelino Botín, julio‑agosto; Sevilla, Sala de Exposiciones de los Reales Alcázares, septiembre‑octubre
Realismo y figuración en La Mancha, Madrid, Banco de Bilbao, Fundación Cultural de Castilla‑La Mancha, noviembre‑diciembre
1986 Arte Contemporânea Espanhola. Reservas do MEAC, Lisboa, Fundación Calouste Gulbenkian, febrero‑marzo
7 Spanish Realists, Nueva York, Claude Bernard Gallery, 21 mayo‑28 junio
Spagna, 75 anni di protagonisti nell'arte, Lugano, Villa Malpensata, 25 septiembre‑25 noviembre
The Foundation Veranneman invites Marlborough, Kruishoutem, Bélgica, 29 noviembre, 1986‑31 enero, 1987
FIAC '86, Exposición individual. París, Grand Palais, Marlborough Gallery
Galería Carles Taché, Barcelona
1987 Cinq siècles d'art espagnol. Le siècle de Picasso, MAM. Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, 8 octubre, 1987‑3 enero, 1988
Cinco siglos de arte español. El siglo de Picasso, Madrid, Centro de Arte Reina Sofía, 29 enero‑13 marzo, 1988
Naturalezas españolas (1940‑1987), Madrid, Centro de Arte Reina Sofía, 16 noviembre, 1987‑10 enero, 1988; Zaragoza, Palacio de Sástago, febrero 1988; Oviedo, Museo Regional de Bellas Artes, marzo 1988; Barcelona, Casa de la Caritat del Ayuntamiento, abril 1988
Recent works, Nueva York, Marlborough Gallery, 25 noviembre, 1987‑2 enero, 1988
1988 Realism in Spain, Nueva York, Staempfli Gallery, 2‑27 febrero
Works on paper by Contemporary Artists, Londres, Marlborough Fine Arts (London) Ltd., marzo‑abril
Visions/Revisions. Contemporary Representation, Nueva York, Marlborough Gallery Inc., 29 abril‑28 mayo
Realismo y figuración, Granada, Fundación Rodríguez‑Acosta, junio‑julio
Colleció Testimoni 1987-1988, 22 diciembre 1988- 29 enero1989, "La Caixa", Barcelona
ARCO '88, Madrid, 1988, Marlborough Gallery, Nueva York
1989 Tesoros de las colecciones particulares madrileñas: pintura y escultura contemporáneas, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, 2 febrero‑31 marzo
Existencia. 14 maestros del realismo, Sevilla, Caja San Fernando, 21 abril‑18 mayo
Spanish Masterpieces of the 20th Century, Tokio, The Seibu Museum of Art, 29 abril‑11 junio; Amagasaki, Seibu, Tsukashin Hall, 17 junio‑23 julio
ARCO '89, Madrid, Marlborough Gallery, Nueva York
XXV Aniversario de la Galería Juana Mordó, Madrid, Círculo de Bellas Artes, marzo‑abril
1990 Madrid. El arte de los 60, Madrid, Sala de Exposiciones de la Comunidad Autónoma, mayo

Del realismo a la figuración en la plástica española contemporánea, Valencia, Sala de Exposiciones Edificio «Levante‑EMV», diciembre
I Bienal Tanqueray de Artes Visuales, Madrid
Un tesoro del dibujo moderno, México DF, Museo de Arte Moderno
Marlborough en Pelaires, Palma de Mallorca, Pelaires Centre Cultural Contemporani, agosto
El espacio privado. Cinco siglos en veinte palabras, Madrid, Sala Julio González, Edificio del antiguo MEAC, octubre‑diciembre
1991 La mujer en la pintura (s. xviii‑xx), Museo Provincial de Jaén, 10 enero‑10 marzo
Realismos: arte contemporáneo español, Tokio, Nihonbashi Takashimaya, 12‑24 septiembre; Osaka, Nanba Takashimaya, 26 septiembre‑8 octubre; Kioto, Shijo Takashimaya, 10‑15 octubre; Yokohama, Takashimaya, 7‑12 noviembre
La juventud del genio. La pintura europea: de Manet y Degas a Picasso y Bacon, Madrid, Banco de Bilbao, octubre, 1991‑enero, 1992
ARCO '91, Madrid, Marlborough Gallery, Nueva York
Realismo español. Dos generaciones, Madrid, Galería Leandro Navarro, febrero
Visiones de Madrid, Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, mayo‑junio
1992 Otra realidad. Compañeros en Madrid, Madrid, Sala de Exposiciones Casa del Monte, enero‑marzo; Santander, Fundación Marcelino Botín, julio‑agosto; Zaragoza, Centro de Exposiciones y Congresos, 15 septiembre‑16 octubre
Castilla‑La Mancha, Exposición Universal Sevilla 92. Pabellón Castilla‑La Mancha. Sevilla, 20 abril‑12 octubre
Pasajes. Actualidad del arte español, Exposición Universal Sevilla 92, Pabellón de España, Sevilla, 20 abril‑12 octubre
Madrid pintado. La imagen de Madrid a través de la pintura, Madrid, Museo Municipal, octubre, 1992‑enero, 1993
ARCO '92, Madrid, Marlborough Gallery, Nueva York
On Paper, Nueva York, Marlborough Gallery, marzo
Ma E'Calda L'erba Sui Miei Prati. Trent'anni di Liberi Scelte, Bolonia, Galleria Forni, mayo‑junio
Artistas en Madrid, Sevilla, Pabellón de la Comunidad de Madrid, EXPO'92 Sevilla
Contemporary Spanish Artists, Tokio, Marlborough Fine Art Tokyo, noviembre‑diciembre
Jardín de vidrio, Madrid, Galería Leandro Navarro, diciembre, 1992-enero, 1993
1993 ARCO '93, Madrid, Marlborough Gallery, Nueva York
Dura Realidad, Barcelona, Colegio de Arquitectos de Cataluña, marzo‑abril
L'âme au corps. Arts et sciences 1793‑1993, París, Galeries Nationales du Grand Palais, octubre, 1993-enero, 1994
1994 Latitud de la mirada. Modos de coleccionar, Las Palmas de Gran Canaria, Centro Atlántico de Arte Moderno, marzo‑abril
Realismos, Madrid, Centro Cultural del Conde Duque, mayo‑junio
Herederos de la tradición, Murcia, Galería Clave, abril‑julio
Artistas de Marlborough, Madrid, Galería Marlborough, julio‑septiembre
1995 Encuentros, Fundación COAM, Madrid
Artistas de la Galería Marlborough, Kiosko Alfonso, La Coruña
Realismo Español entre dos Milenios, Sala de la Pasión, Valladolid; Sala de Armas, Ciudadela, Pamplona; Palacio Almudí, Murcia; Fundación Caja Rioja, Logroño; Casal Solleric, Palma de Mallorca
Identita e Alterita, XLVI Bienal de Venecia, Centenario, Palazzo Grassi, Venecia
1996 On Paper, Marlborough Gallery, Nueva York, 14 febrero-9 marzo; Galería Marlborough, Madrid, 27 marzo-4 mayo
Homenaje a Aurelio Biosca, Galería Alfama, Madrid
Arte Vivo. Los Pintores de la Academia de San Fernando, Academia de San Fernando, Madrid
Sensibilidades, Galería Leandro Navarro, Madrid, 20 febrero-19 abril
Die Kraft Bilder. Realismus der Gegenwart, Martin-Gropius-Bau, Berlín
Autour de la réalité: réalismes espagnols, Galerie Lina Davidov, París

Bodegón Contemporáneo, Galería Rayuela, Madrid
ARCO '96, Madrid, Marlborough Gallery, Nueva York
Desde la Realidad/Dalla Realtà, Accademia Spagnola di Storia, Archeologia e Belle Arti, Roma, mayo
Contemporary Spanish Realists, Marlborough Fine Art, Londres, junio-agosto; Galería Marlborough, Madrid, septiembre-octubre
La Ville Moderne en Europe. Visions Urbaines d'Artistes et d'Architectes 1870-1996, Museum of Contemporary Art, Tokyo, 24 julio-16 septiembre (organizada por Centre Georges Pompidou)
Marlborough en Vertice, Galería Vertice, Oviedo, 17 septiembre-14 octubre
Nueva Forma. Arquitectura, Arte y Cultura 1966-75. Antología, Centro Cultural de la Villa, Madrid, octubre-diciembre
Raíces de la Escultura Española Contemporánea, Galería Marlborough, Madrid, 14 noviembre, 1996-18 febrero, 1997
El Realismo en sus Raíces, Centro Cultural Caixavigo, Vigo. Itinerante: Kiosko Alfonso, La Coruña, 1996-97
1997 ARCO '97, Madrid, Marlborough Gallery, Nueva York
Arte Vivo. Los pintores de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Academia de San Fernando, Madrid, 27 enero-14 febrero
Marlborough en La Aurora, Galería La Aurora, Murcia
City Scapes, Marlborough Gallery, Nueva York. Galería Marlborough, Madrid
Madrid, Cyprus Art, Gerona
El Arte y la Prensa en las Colecciones Españolas, Fundación Carlos de Amberes, Madrid, abril-junio
Paisajes de un Siglo, Sala de Armas, Ciudadela de Pamplona, sep.-oct. 97. Itinerante: Centro Cultural "Casa del Cordón", Burgos (oct-dic). Centro de Arte Palacio Almudí, Murcia (febrero, 1998). Fundación Caja Vital Kutxa, Vitoria (marzo-abril, 1998)
Homenaje de artistas manchegos a Gregorio Prieto, Museo de la Fundación Gregorio Prieto, Valdepeñas, 6-30 sep.,97.
Realidad, Realismos, Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela, 20 sep-30 nov,97. Itinerante: .............
Barcelona-Madrid, 1898-1998. Sintonías y distancias, Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB), 16 sep,97-18 enero,98. Itinerante:Círculo de BB.AA., Madrid
Va de cine, Galería Metropolitana, Barcelona, agosto,97
FIAC, París. Marlborough Gallery, New York

1998 ARCO´98, Galería Marlborough, Madrid
Forma y figuración. Obras maestras de la Colección Purnell & Blake, Fundación Guggenheim, Bilbao
FIAC, París. Marlborough Gallery, New York
Aurelio Biosca y el arte español, Sala Julio González, MEAC, Madrid. Itnerante: Fundación Cultural de la Caixa de Terrasa
Direct Madrid-Tirol, Tirol-Madrid, Tiroler Kunstpavillon, Austria. Sala Millares, MEAC, Madrid
1999 ARCO´99 Madrid, Galería Marlborough, New York
Grands D'Espagne. De Picasso a Barceló, Chateau de Villeneuve, Art Moderne et Contemporain, Vence, Francia
FIAC, París. Marlborough Gallery, New York
2000 Arco 2000, Madrid. Galería Marlborough, Nueva York.
Paisajes Urbanos y Humanos. Arte en la oficina. Atkearney. Madrid. 18 de febrero- 17 de marzo
Elogio de lo Visible. 27 artistas en torno a la figuración. Exposición itinerante: Galería Marlborough, Madrid, 7 de febrero al 18 de marzo; Caja de Ahorros de Murcia, Centro Cultural “Las Claras”, 24 de marzo al 27 de abril; Caja de Burgos, Centro Cultural “Casa del Cordón”, 4 de mayo al 18 de junio; Cultural Rioja, Logroño, 22 de junio al 31 de julio.
2001 MEMORIA Y MODERNIDAD. Arte y Artistas del siglo XX en Castilla-La Mancha. Itinerante. Centro Cultural San Marcos. Toledo, Noviembre de 2000.Ciudad Real Museo Municipal “López Villaseñor”. Del 13 de febrero al 11 de Marzo. Palacio del Infantado, Guadalajara. Museo Municipal de Albacete, septiembre’01.

Medio siglo de arte gráfico en el Museo de Jaén (1945-1995). Museo Provincial de Jaén, ’00-‘01.
Garaje: imágenes del automóvil en la pintura española del siglo XX. Fundación Carlos de Amberes, Madrid. noviembre-diciembre.Itinerante. Centro Galego de Arte Contemporánea, Santiago de Compostela. Enero-febrero.
Galería Vértice. Oviedo.
Arco 2001, Madrid. Galería Marlborough, Nueva York.
Un recorrido por el arte español del siglo XX. Alcalá Subastas, Madrid. 23 de marzo al 1 de
abril.
Figuras. Visiones del Arte Contemporáneo. Centro Cultural Puerta Real, Granada. 7 de Junio al 20 de Julio.
Cinquante ans de sculpture espagnole, Palais Royal, París. De junio a julio.
Frutas, Flores y Sueños en el Arte. Sala Munincipal de los Franceses, Valladolid.Septiembre - Octubre.
Rumbos de la escultura española del siglo XX. Fundación Santander Central Hispano,
Madrid. Octubre – noviembre.
Esculturas en el Retiro. Paseo de Coches, Parque del Retiro, Madrid. Otoño’01.
La figura humana. Casa Primera de Oficios de San Lorenzo de El Escorial, San Lorenzo de El Escorial, Madrid. 2-31 julio.
Nocturnos. Galería Leandro Navarro, Madrid, 12 de Diciembre de 2001 al 30 de Enero de 2002 (catálogo).
2002 Nuovo Realismo Spagnolo. Galleria Marieschi, Milán, 31 de enero – 23 marzo.
Figuras. Galería Mario Sequeira, Braga, Portugal.
ARCO ‘2002, Madrid, Marlborough Gallery, New York.
Viaje al Espacio. 50 años de escultura en España. Palacio de Exposiciones y Congresos de Ibercaja, Zaragoza.
Abstracciones-figuraciones 1945-1975. Exposición itinerante patrocinada por la Confederación Española de Cajas de Ahorros (CECA).
Escultura Española. Galería Marlborough Mónaco, Monte-Carlo.
Traslaciones, España-México, pintura y escultura 1977-2002. Círculo de Bellas Artes de Madrid. Organizada por la SEACEX y la Secretaría de Relaciones Exteriores con México.
El siglo de Picasso. El arte español del siglo XX, Galería Nacional, Atenas. Itinerante a: Museo Nacional Reina Sofía, Madrid.
Luz de la mirada. Museo Esteban Vicente, Segovia.
Comer o no comer. Centro de Arte de Salamanca, Salamanca.
2003 ARCO ’03. Madrid, Marlborough Gallery, Nueva York.
Art Espagnol Contemporain, Marlborough Monaco, Monaco.
Un siglo en un periódico: ABC. Biblioteca Nacional de Madrid, Madrid.
El arte español del siglo XX. Museo del Corso, Roma.
Transforming the Commonplace. Masters of Contemporary Realism. Susquehanna Art Museum, Harrisburg, Pennsilvania, USA.
Mirada al Siglo XX. Espacio y volumen.La Mirada realista años 80.
Espacio Cultural de Caja de Avila, Avila. (Catálogo).
Espacios y modos. Más allá de los límites. Edificio Miller. Parque de Santa Catalina. Las
Palmas de Gran Canaria.
Homenaje a Jaime Burguillos, Centro Cultural El Monte, Sevilla.
Mano a Mano: 25 años de construcción democrática. Centro Cultural de la Villa de Madrid, 6 de diciembrede 2003 - 28 de febrero de 2004.
2004 Palabras Pintadas. 70 miradas sobre Madrid, Fundación Caja Madrid, Madrid.
Obras maestras de la colección BBVA. Exposición itinerante: México, Chile, Perú, Colombia, Venezuela y Puerto Rico.
Arte para un siglo: Abstrcciones/Figuraciones (1940-1975), itinerante.
ARTE POR IMÁGENES, de De Chirico a López García, Museo Constantino Barbella de Chieti, Abruzzo, Italia.
Festival des jardins. L´Art dans les jardins, Burdeos.

Valdepeñas, 65 años de arte, Museo de Santa Cruz, Toledo.
2005 ARCO ´05. MArlborough Gallery, Nueva York.
Realidades de realidad, Caja Castilla La Mancha, Toledo.
Abstracciones- Figuraciones (1940-1975), Caja Segovia, Segovia.
Muestra de Escultura Pública: Artistas Españoles Contemporáneos, Conselleria de Cultura de las Illes Balears.
Panorama 2005, Galería Juan Gris, Madrid.
El arte del dibujo, Fundación BBK, Bilbao.

exposiciones individuales

2007-05-15T14:07:00.001-07:00

1951 Antonio López, Tomelloso, Ciudad Real
1957 Antonio López García y su tiempo, Ateneo de Madrid, Sala del Prado, 3‑20 diciembre
1961 Antonio López García, Madrid, Galería Biosca, 5‑17 junio
1965 Antonio López García. Paintings and Sculptures, Nueva York, Staempfli Gallery, 13 abril‑1 mayo
1968 Antonio López García, Nueva York, Staempfli Gallery, 29 octubre‑16 noviembre
1972 Antonio López García, Turín, Galleria Galatea, 6 abril‑3 mayo
Antonio López García, París, Galerie Claude Bernard
1985 Antonio López García, Museo de Albacete, 10 mayo‑30 junio
Antonio López, Europalia 85 España. Bruselas, Musée d'Art Moderne, 26 septiembre‑22 diciembre
1986 Antonio López García. Paintings, Sculptures and Drawings:
1965‑1986, Nueva York, Marlborough Gallery Inc., 3‑26 abril 86; Londres, Marlborough Fine Art (London) Ltd., 9‑31 mayo
1993 Antonio López. Pintura, Escultura, Dibujo. Exposición Antológica, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, mayo‑julio
1994 Antonio López, Proceso de un Trabajo, Fundación FOCUS, Sevilla
2000 Fragmentos de un trabajo. Centro Cultural Isabel de Farnesio, Aranjuez, 11 de mayo – 10 de junio.
Antonio López, Un proceso sin fin. Centro Cultural Palacio de la Audiencia, Fundación Duques de Soria, Soria, 20 de junio- 20 de julio
2001 Antonio López. “Hombre y Mujer”. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Octubre.

la buena pintura nos mejora la vida

2007-05-15T14:05:00.000-07:00

ENTREVISTA A ANTONIO LOPEZ EL 27.03.06

El prestigioso pintor Antonio López, miembro de la Real Academia de San Fernando y galardonado con el Príncipe de Asturias de 1985, ha impartido durante tres días un taller de creación plástica en Los Alcázares en torno al paisajismo y al desnudo, dentro del extenso programa que organiza la Universidad del Mar de Murcia, enmarcado en el curso Teoría Y Práctica de la Creación Artística en la que han impartido conferencias prestigiosos especialistas del mundo del arte.

Pregunta: ¿Sin las primeras lecciones de su tío Antonio López Torres, quizá todo hubiera sido más distinto para usted?

Respuesta: En relación a mi tío Antonio, lo que fue decisivo es que me posibilitó el salir de Tomelloso y empezar a estudiar pintura, más que lo que él me dijera.

Eso me cambió la vida a los 13 años, ya que me ayudó a convencer a mis padres para que me fuese a Madrid, y eso, otro no lo hubiera conseguido.

Mi tío era una persona con mucho prestigio y con mucha autoridad en ese sentido, y claro mi padre lo obedeció; dijo que yo valía, y mi padre lo creyó. En aquel momento no era una cosa normal enviar a un hijo a la capital a estudiar cualquier disciplina.

Esto tuvo una importancia enorme, no sé que hubiera pasado sin esa intervención de mi tío. Sin embargo mucha más importancia tiene para mí su ejemplo como gran artista, ya no son sus palabras, porque a veces son muy fáciles de decir, es mucho más el ejemplo suyo como ser humano y la admiración que he tenido motivado por todos los meritos de su pintura, eso para mí ha sido un privilegio enorme porque hay muy poca gente que pueda tener tan cerca algo tan grande. He tenido una doble fortuna: gracias a él mi familia me lleva a Madrid y después el tener ese ejemplo a mi lado. La gente en general anda muy perdida.

Aunque yo tenía ese punto de referencia a distancia, porque si hubiera estado cerca había un riesgo de que absolviera y yo era consciente.

Más tarde cuando salí de la Escuela, en un momento de mi vida, yo notaba al tener la referencia más cerca que me absolvía, ya que entraba en su órbita y no debía de ocurrir eso porque yo no me parecía tanto a él.

Pregunta: ¿Velázquez y Vermeer siguen siendo sus referencias artísticas?

Respuesta: Yo pienso que las referencias son muchísimas, unas las tienes muy claras y otras muy imprecisas. Hay unas cosas que no te gustan absolutamente nada, pero que te valen como referencias, como puntos de peligro que te avisan de que no debes de pasar, según que límites, tanto en literatura, en cine y en la propia vida, que te va enseñando.

Pero claro, de Velásquez, ¿qué vas a decir? Ahí están los griegos, es que claro detrás de nosotros hay cientos de artes extraordinarios, y los europeos tenemos ese privilegio, que a su vez, a veces nos asfixia.

Y es la cantidad de cosas maravillosas que hay detrás de nosotros, a nuestra espalda. Eso a veces nos coacciona un poco y nos quita libertad, pero también nos da mucho placer como espectadores.

Pregunta. ¿Por qué en la ejecución de sus cuadros se dilata tanto?

Respuesta: Pues no lo sé. Yo cuando veo pintar en estos talleres, a veces, cosas tan interesantes y tan rápidamente pintadas, me pregunto: ¿Que qué me pasa?

Sino habrá un malentendido que lo he desarrollado durante mis años de formación, o una fe en una forma de trabajo, porque es una forma lenta comparada con la de los demás, tal vez podría haber abreviado. Yo me lo pregunto ahora, pero las cosas están así.

Hay también otra gente que es lenta, cineastas que hacen pocas películas o poetas que publican muy pocos libros. ¿Es mejor ser torrencial? Eso no sé puede elegir. Pero yo me pregunto: si no me pasaré un poco, pero en todo caso no es voluntario.

Pregunta: ¿En qué momento se encuentra el retrato de la Familia Real que lleva realizando ocho años?
Respuesta: Pues estoy en ello. He estado unos meses sin trabajar, ocupado en otras cosas, y ahora voy a continuar. Como lo hago con fotografía no tengo el problema de todos los cambios que puede haber.

Pregunta: ¿Qué le parecen las etiquetas artísticas, por ejemplo, la de realismo mágico en la que le encuadraron en los años 60?

Respuesta: Son palabras, Yo creo que las etiquetas, son como las palabra renacimiento o romanticismos, si te fijas no sabes si son las palabras justas.

Lo que importa son las cosas y esas gentes de valor que aparecen en todos en esos espacios y te entusiasman. No importa tanto la palabra, por ejemplo en el impresionismo no sé hasta qué punto toda esa gente son impresionistas. Yo no me planteo mucho eso.

Pregunta: Usted ha trabajado en solitario durante décadas en un mundillo artístico dominado por la abstracción, el informatismo y las tendencias conceptuales, y al final su pintura sigue triunfando.

Respuesta: Pues así es. No solamente yo, hay una parte de los pintores y de los escritores del mundo que trabajan dentro de la figuración, con fe y con dudas.

Aunque la duda y la fe es inevitable en cualquier tendencia. Así es la vida en este momento, tenemos duda de casi de todo.

Pregunta: ¿Al final siempre le consideran un pintor hiperrealista?

Respuesta: Pues quizá sea una etiqueta equivocada, pero como no la llevo pegada en la frente, ¿qué importa? Uno no puede salir permanentemente a discutir eso.

Yo creo que no somos hiperrealistas los realistas españoles. Esa palabra surge de unos pintores y escultores que trabajaban sobre el mundo real en América del Norte, y que tienen unas técnicas de ejecución, una temática y unas estrategias de trabajo que no son las nuestras.

palabras de Antonio López

2007-05-15T14:04:00.001-07:00

"Si tuviera que precisar los primeros estímulos que despiertan en mí el interés por situar dos o más personas juntas en el mismo espacio pictórico o escultórico, me referiría primero a los ejercicios que realicé en la clase de pintura durante mi último curso en la Escuela de Bellas Artes de Madrid (1953-54), donde los alumnos trabajábamos en una composición formada por una figura humana y un maniquí articulado.

En aquel curso la figura utilizada fue siempre una mujer desnuda, y el contraste que se producía entre ella y el maniquí del mismo tamaño, vestido, con la cabeza policromada, con ojos de vidrio, era sorprendente.

Por entonces tenía entre mis cosas una fotografía de mis abuelos maternos que me parecía preciosa por lo que representaba y por la impresión que me producía la combinación de las figuras frontales de aquellas dos personas que había conocido ya ancianas.

Volví a mirar la fotografía y tenían tanta presencia que era como si mis abuelos me acompañaran en aquella habitación alquilada. Deseaba pintarlos, pero durante aquellos primeros años siempre había trabajado del natural y dudaba que esa pequeña fotografía en blanco y negro me diera los datos que necesitaba para elaborar una pintura.

A pesar de mis vacilaciones, el verano del año 1955, acabados los estudios de pintura y ya en Tomelloso, empecé a pintarlos aproximadamente a tamaño natural, y lo hice de un tirón, con gran entusiasmo, intentando descifrar a través del lenguaje de la pintura el carácter de estas dos personas: las cabezas, el carácter tan distinto de cada una expresado por la luz y las sombras, las dos bocas, las dos narices, los ojos, el asiento del cuello sobre los hombros.

Fue apasionante retratarlos unidos, mirando al espectador con la misma actitud, con tanto en común y a la vez tan diferentes. Al mismo tiempo trabajaba sobre otras dos o tres pinturas también con dos figuras agrupadas, pero eran figuras genéricas; y fue unos meses después, del 55 al 56, cuando volví sobre el retrato doble: mis abuelos paternos en un retrato de boda y mis padres, pintados del natural. Ya en ese momento percibí de manera confusa y a la vez intensa, como se perciben siempre estas cosas, el hallazgo de esta forma de agrupar dos seres humanos.

Yo conocía, sobre todo a través de libros y reproducciones, esa forma de representación que de un modo intermitente aparecía en el arte de la escultura o de la pintura: el matrimonio Arnolfini de Jan van Eyck, una pintura que vi por entonces en Nápoles, esculturas de parejas sentadas del arte egipcio... Esas imágenes me ayudaron a definir y a concretar el tema.

En esos años seguí pintando y dibujando grupos de figuras (cuatro mujeres, una pareja de novios...), siempre vestidas, de tamaño cercano al real. Sobre el año 1961 pensé en lo interesante que podía ser desnudar la pareja. En un principio quise pintarla, y realicé unos dibujos de tamaño natural; pero la aventura se detuvo aquí porque no encontré modelos a mi gusto y pensaba que no podía continuar sin un hombre y una mujer concretos como punto de partida. Seguía con el deseo de hacer la pareja de desnudos.

Después de unos años modelando relieves, habiendo realizado alguna figura exenta, me decidí por la escultura para materializar los desnudos, pensando que la forma escultórica en cierto sentido, me permitiría mayor capacidad de transformación que la pintura. Localicé un modelo de hombre en la antigua Escuela de Bellas Artes, donde yo entonces enseñaba, y un modelo de mujer en el Círculo de Bellas Artes. A finales del año 1965 empecé a trabajar el grupo sin imaginar el recorrido tan laberíntico, complicado y largo que comenzaba en ese momento. Con la espera de esos años sentía urgencia por ver en pie las dos figuras y empecé montándolas en cera a partir de vaciados del natural que hice sobre los dos modelos. Y de momento me pareció extraordinario verlas materializadas. A partir de ese instante empecé a trabajar sobre las figuras, a modelar, a cambiar partes de ellas que no acababan de satisfacerme. A pesar de los desajustes de movimiento o de proporción me parecían interesantes.

Con motivo de mi segunda exposición en Nueva York, en 1968, pensé en mostrarlas y las pasé a madera. Cuando las vi así, sin el encanto de la superficie de la cera, me parecieron toscas y elementales; pero creía en las figuras y me decidí a elaborarlas ya en este nuevo material. Después de trabajar una temporada en ellas, con una desorientación cada vez mayor, las abandoné hasta que en 1973, cuando se preparaba una exposición de realismo en la galería Marlborough de Londres, decidí continuarlas para mostrarlas allí. Desde comienzos de ese mismo año volví a trabajar en ellas con la ayuda de Francisco López.

A diferencia del mármol o del bronce, la madera permite quitar, poner o cambiar la forma con gran facilidad, y en seguida trabajamos en las cabezas a partir de nuevos modelos. Con estos nuevos modelos y otros cambios las di por terminadas y figuraron en esa muestra, donde fueron vendidas a una coleccionista americana. Cuando vi el grupo en la exposición de Londres, fuera del estudio y a cierta distancia de la lucha por terminarlas para la muestra, tuve la impresión de que la figura del hombre era un poco monstruosa, con unos brazos excesivamente largos, un poco simiesca, y sugerí a la galería que propusiera a la propietaria de las esculturas que éstas volvieran a Madrid para poder hacer algunos cambios.

Y aquí comienza una aventura que se ha prolongado hasta hoy, se puede decir, y que ha consistido en hacer real lo que sólo estaba en mi pensamiento, no en el mundo exterior, en un momento en el que el proceso de mi trabajo era exactamente lo contrario: primero surgía el tema y solamente entonces podía comenzar la tarea de interpretación de aquello que despertaba mi atención tratando de representarlo fielmente. Porque era así justamente, por ser exactamente de esa manera, por lo que me interesaba.

Corté el tórax de la figura del hombre por la cintura y lo alargué. Entonces quedó estrecho y lo fui ensanchando. Las piernas me parecían zambas y fui poco a poco quitando del interior y añadiendo en el exterior encolando tela de saco y añadiendo una mezcla de cola, escayola, serrín y pigmentos. La cabeza quedó terminada y me orientaba hacia dónde debía llevar la figura.
Pero hiciera lo que hiciera nunca estaba seguro de que estuviera bien resuelta. Al no encontrar un único modelo que equivaliera a la escultura, trabajaba con varios, aprovechando de ellos lo que se acercaba más a lo que yo creía que debía ser. Trabajaba intermitentemente, cuando veía con cierta claridad el camino a seguir, asombrado a veces de mis despistes. En algún momento observé que la figura estaba demasiado rígida y que si se apoyaba en la pierna derecha debería inclinarse también hacia la derecha, y eso me llevó a nuevos cambios. Seguía desorientado. Cada nuevo modelo me marcaba una dirección que una vez materializada arreglaba algo y a la vez creaba un nuevo desorden. Decidí entonces realizar dibujos con medidas de diferentes personas y ver cuáles eran las constantes en las proporciones básicas.

Esta tarea interminable y a veces aparentemente obsesiva era motivo de bromas o de preocupación para los que me veían trabajar sin una dirección definida. Pero no podía abandonar. Y tengo que decir que en ningún momento me pesó ni consideré inútil ni perdido el tiempo que le dedicaba. Acepté que así tenía que ser. De vez en cuando pensaba que también debía continuar la figura de la mujer para incorporarla al nuevo carácter del hombre. Pero siempre esperaba tenerlo resuelto para ver cuáles debían ser esos cambios. Por ese tiempo tenía sueños en los que la figura del hombre me seguía en la calle. Sobre la gente, veía asomar su cabeza. También en la casa me seguía en actitud no exactamente de amenaza, pero que me intimidaba, como si me pidiera algo que no entendía bien. La figura ha terminado siendo un compendio, un resumen de muchas figuras que al ser más o menos elegidas por mí han acabado siendo una forma de autorretrato interior. La unidad de carácter que en un principio tenían el hombre y la mujer ha podido quedar debilitada, como si la figura de la mujer, terminada antes del año 73 expresara una forma de inhibición y de temor, y la del hombre hubiera ido recuperando un espacio de mayor luminosidad y nobleza.

Al final pienso en mi convivencia con esas dos figuras, en la cantidad de tiempo que me han acompañado en el estudio: más o menos treinta y seis años. Pienso también que ha merecido la pena toda esta aventura, tan desmesurada, pero para no repetirla. Por otro lado, creo que así son a veces las aventuras en el mundo del arte, así de irracionales y poco confortables, aun con el riesgo de una solución posiblemente imperfecta."

Antonio Lopez García
Madrid, septiembre de 2001

pintar las cosas, tal y como se sienten

2007-05-15T14:02:00.001-07:00

Dentro, diez caballetes, una veintena de lienzos, media sandía, dos cebollas, varios pimientos... Lo necesario para un bodegón.

Fuera, frente al mar, media docena de pintores que desafía desde el lunes la intermitente lluvia.

En medio, entrando y saliendo desde el aula de las caballerizas del Palacio de la Magdalena en Santander hacia la playa, el maestro: Antonio López.

El pintor dirigía un taller de pintura en la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (UIMP). 'Intento transmitirles que hay que pintar las cosas como se sienten', aseguró.

'No he venido a enseñar, ni a aprender, sino a dar mi consejo a pintores que quizá necesitan el consejo de alguien mayor, y a pasar unos días con unos compañeros más jóvenes que yo', advirtió López a los periodistas en la rueda de prensa celebrada al aire libre.

Afirmó que este encuentro con 15 jóvenes artistas supone para él una gran satisfacción: 'Aquí saco el placer de ver cómo se siente y cómo se evoluciona al comenzar en la pintura. Me reconozco a mí hace muchos años en esa lucha que supone la búsqueda de una identidad al pintar'.

Aunque, aseguró, también hay amargura en la enseñanza: 'Sufres al ver que a veces no puedes ayudar más, uno puede dar un consejo, pero no puede hacer demasiado'.

Los participantes en el taller son en su mayoría estudiantes de Bellas Artes, aunque también hay algún profesor de secundaria y algún pintor profesional.

'No tenemos nada en común, si acaso la devoción por la obra de Antonio', aseguró Álvaro Díaz-Palacios, 20 años y estudiante de segundo de Bellas Artes.

Los alumnos aseguran que en sus críticas, López se dedica más a ensalzar lo positivo que lo negativo de sus cuadros.

Les ha pedido que pregunten y que, sobre todo, hablen de pintura, entre ellos y con él. En esta semana pintarán un cuadro, dos o tres, los que dé tiempo.

López eligió a los participantes entre todas las peticiones recibidas y de todos los estilos: 'En todos los elegidos vi algo, siempre hay una forma individual de ver las cosas y eso hay que respetarlo; no me fijé en el estilo, sino en que me dijera algo. Hay uno o dos muy buenos, otros no tanto'.

Y añadió: 'La mayoría no tiene una personalidad, un estilo definido, y por eso es importante que aprendan la técnica. Todavía no hay un compromiso en la forma de pintar'.

El pintor, asegura que si bien no tiene claro cómo se enseña, sí sabe quiénes fueron sus maestros: desde el escultor Julio López, amigo de Antonio y que estos días dirige un taller de escultura en el aula contigua a la de Antonio, Velázquez, los pintores griegos y su tío Antonio López, un pintor de paisajes manchegos que le inició en la pintura.

López explicó que actualmente realiza un paisaje de Madrid. 'Es una vista desde una torre de bomberos en Vallecas. Se ve todo Madrid, desde la sierra de Guadarrama, los edificios reconocibles de Madrid, Vallecas, la contaminación'.

Y concluyó: 'Será un buen documento'. Espera terminarlo antes de final de año, al igual que el retrato que desde hace 7 años realiza de la familia real.

Sobre éste explicó que lo pinta sin intención: 'Aunque siempre será mi visión y no la de otro, en un retrato lo importante es que se parezca a la gente'.

El País Cultura - 24/07/2002

la vida en la calle

2007-05-15T14:01:00.001-07:00

Siete estudiantes de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid tuvieron ayer el privilegio de contar como profesores por unas horas con dos maestros de la pintura: Juan Genovés y Antonio López.

Los dos artistas dieron una clase magistral a los estudiantes de los dos últimos cursos de Bellas Artes, al aire libre, en pleno centro universitario. La clase consistió en que Genovés y López propusieron un tema, concretamente la vida en la calle, y los alumnos lo plasmaron sobre un lienzo de 20 metros por 2 metros de alto. Todo fue improvisación, no hubo apenas ningún tipo de preparación previa.

El mural sobre el que trabajaron los estudiantes estuvo situado en el exterior, en un soporte montado en la puerta del edificio de alumnos de la Complutense. Empezaron a trabajar a las diez y media de la mañana, media hora antes de lo previsto, para intentar evitar la lluvia. Los siete elegidos improvisaron con rodillos, compresores, pistolas y botes de pintura y fueron dirigiendo sus trazos según las indicaciones de los dos pintores.

Genovés pidió a los aprendices que, poco a poco, fuesen realizando bocetos de lo que querían pintar. López, muy abrigado contra el frío, indicó que mostrasen en el mural claramente lo que de verdad querían enseñar, que plasmaran las formas.

Los siete estudiantes se pusieron manos a la obra. Los dos maestros les iban dirigiendo. "Cubrid ese hueco vacío", "Tú cámbiate mejor a esta parte", señalaban a sus alumnos. Cada veinte minutos, el grupo entero se alejaba unos 15 metros para ver cómo el lienzo iba tomando formas ante las miradas atónitas de los que asistían al espectáculo.

Fuentes de la Universidad Complutense comentaron que los alumnos que ayer trabajaron con Genovés y López habían sido seleccionados "porque habían hecho ya trabajos en equipo y habían participado en la creación de murales en la calle". Pasado el mediodía, el mural estuvo terminado.

"Hemos hecho un boceto de un mural, con toda su frescura y sin ningún apunte previo. Ha sido un experimento, un juego plástico", señaló Genovés, que se mostró "encantado" con la experiencia. "Hemos sido un auténtico equipo: los estudiantes, Antonio y yo. Es muy bonito trabajar con gente joven. No ha habido una relación de profesor y de alumno, sino de tú a tú", añadió.

El mural estará expuesto en el exterior del edificio de alumnos de la Complutense durante dos días. "Después lo quitaremos de allí porque con el agua y la lluvia se puede estropear. Estamos buscándole otra ubicación dentro de las instalaciones de la universidad", según los organizadores.

La clase magistral de los dos artistas se encuadró dentro de la jornada cultural que ayer celebró la Universidad Complutense con el lema Exprésate y que incluyó una conferencia de José Saramago y María Asunción Mateo, viuda de Alberti, pasacalles, exhibición de grafitos, música en directo de cantautores y proyecciones de cine. Los actos estuvieron organizados por el Vicerrectorado de Extensión y Difusión de la Cultura de la Universidad Complutense y se desarrollaron en los campus de Moncloa y Somosaguas.

La Facultad de Bellas Artes albergó intervenciones interactivas con exposiciones de videoarte y música experimental; el Jardín Botánico fue la sede una exhibición de grafitos, y la Facultad de Medicina acogió el I Certamen de Pintura Rápida de la universidad madrileña, dentro de un amplio programa.

El País Cultura - 31/10/2003

algo de mágico y de sueño

2007-05-15T13:59:00.000-07:00

El pintor y escultor Antonio López ha explicado que la escultura que prepara para la ampliación de la estación de Atocha será un recordatorio de las víctimas que produjeron los atentados del 11 de marzo, pero "no reflejará el miedo y la angustia sino la esperanza".

En su estudio de Madrid, López describió el conjunto escultórico que le encargó Renfe y que llevará por título 'El día y la noche', como "la inocencia, la limpieza que puede transmitir un rostro".

Según el artista, la escultura consistirá en dos cabezas de una misma niña de un año, una despierta y otra dormida, que estarán hechas en bronce, con una altura superior a los dos metros y sobre una plancha de metal.

"Ver una cabeza de niño es siempre algo bueno, libre de pesadumbre, de todas esas cosas que después nos ocurren, oscuras, negras", señaló López, quien pretende que sus esculturas reconforten a los viajeros que pasen por la estación y los liberen de la pesadumbre que entraña el transitar por un lugar asociado a tan tristes recuerdos.

Algo de "mágico" y de "sueño" hay en esa obra que prepara López. "Las dos cabezas forman una unidad, serán la doble visión de la niña que duerme y la que despierta, como un jardín de cabezas".

"Este es mi primer encargo para un espacio público y me emociona que sea en Atocha bajo su gran cúpula, porque para mí tiene mucho significado; esta estación era la entrada de La Mancha en Madrid. Y luego lo que ha ocurrido que es muy negro y supone para mí un motivo más para ofrecer algo que suponga una esperanza para quienes pasen por la estación", sostiene el escultor manchego.

López contó que la obra, que no estará terminada hasta dentro de tres o cuatro años, se encuentra "en la fase de fundición" y señaló que aún está pensando la altura adecuada para un espacio tan grande como Atocha, "porque deben tener un tamaño notable pero sin pasarse".

"Es necesario ir al sitio para colocarlas porque es muy importante verlas para visualizar todo el conjunto", comentó el académico electo de Bellas Artes.

Antonio López lleva seis o siete años, desde que nació su primer nieto, inspirándose en los niños para sus esculturas, y en especial en las cabezas, porque "ya no tengo mucho tiempo para hacer el resto del cuerpo y lo que de verdad me maravilla de los niños es el rostro".

El proyecto de estas esculturas nació entonces, y a raíz del encargo de Renfe pensó que las cabezas podían ser un buen motivo para atender esa petición porque "transmiten lo bueno y lo malo".

Tras los atentados, se decidió no cambiar la idea original, porque "las cabezas podían expresar también el sentimiento surgido tras la tragedia, sólo había que explicarlo". Por ello se pensó en solicitar la colaboración de algunos poetas que resuman con sus versos lo que ocurrió, directa o indirectamente, "buscando algo más allá", dijo el escultor, para quien también "es interesante dejar paso a las palabras".

Para el pintor y escultor, tras el 11-M "no ha cambiado nada; ves de cerca el horror y la necesidad de hacer algo, cada cual desde donde puede", aunque son los políticos "los que tienen la posibilidad de hacer más. Nosotros, los pobres artistas, ¿qué podemos hacer?".

pintar, dibujar y charlar

2007-05-15T13:58:00.000-07:00

El pintor señaló que el objetivo del curso es «pintar, dibujar y charlar». Se inauguraron otros dos cursos, uno sobre la guerra civil y otro sobre la ciencia ficción.

La sede de la Fundación Academia Europea de Yuste, ubicada en el monasterio jerónimo, acogerá durante toda la semana dos cursos: 'Recuperación de la memoria histórica: Guerra Civil y maquis' y 'Curso sobre artes plásticas: pintura y dibujo contemporáneos'; un tercero, 'Ciencia Ficción: la divulgación tecnocientífica en las artes', se imparte en la residencia V Centenario de Jarandilla.

En el multitudinario acto de inauguración, estuvieron presentes: Ginés Salido, rector de la UEX; Francisco Muñoz Ramírez, consejero de Cultura; el padre Prior del monasterio, Fray Francisco de Andrés; Jose Miguel Martín Daza, director de la Obra Social de Caja de Extremadura; además de los directores de los tres cursos.

Antonio López, pintor y coordinador del curso sobre pintura, señaló que el objetivo es «pintar, dibujar y charlar». Los veinte alumnos, que han sido seleccionados por el también académico de la Fundación Europea de Yuste, trabajarán, durante ocho horas diarias, sobre todo la figuración, «a partir de un soporte vamos a charlar sobre todo, cambiaremos impresiones», comentó el Premio Príncipe de Asturias.

Este seminario se imparte en uno de los corredores del monasterio, zona habitual de clausura, que los monjes han cedido para unir, por unos días, arte y meditación al aire de la sierra; y es el padre Prior profesa una gran admiración por el artista de Tomelloso.
Los trabajos que se realizarán serán realistas, tipo de pintura y de arte que siempre ha seguido Antonio López. Los bodegones, además de paisajes y rincones del monasterio, son los temas que quedarán reflejados en los lienzos de los alumnos.

Con la excusa de este taller de pintura, la Universidad de Extremadura ha organizado una exposición de Pedro Casero. La treintena de fotografías se exponen en la Casa de la Cultura de Jarandilla de la Vera.

Afluencia..El seminario que más gente ha atraído a este rincón de La Vera es el que trata de recuperar la memoria histórica a través del estudio de la Guerra Civil y los guerrilleros conocidos como maquis. El análisis, como dijo el director, Julián Chávez, se hará «desde una perspectiva interdisciplinar»; por eso durante toda la semana tomarán protagonismo desde actores y directores de cine a historiadores, pasando por escritores y por los verdaderos protagonistas, los maquis.

El consejero de Cultura basó su intervención en este asunto. Para él, el seminario se debería haber llamado «recuperación de la dignidad humana», y dijo que la democracia seguirá estando herida mientras no se recuperen el nombre y la dignidad de los que murieron por ella. La primera ponencia, dada por Sánchez Marroyo, catedrático de Historia Contemporánea de la UEX, tuvo como objetivo aclarar el sentido del término 'memoria histórica' en la sesión vespertina, Julián Chaves, ante el fallo de Alberto Lorente Fuentes, habló de la Guerra Civil y el primer franquismo en Extremadura, tema del que es profundo conocedor.

Por último, para estudiar el fenómeno de la influencia que existe entre ciencia y arte, diversos especialistas en ciencia ficción expondrán sus visiones a los alumnos, que se verán profundizadas con la proyección de películas por la tarde. Ver como la ciencia se divulga en las artes y en el cine es el objetivo del curso, según aclaró la codirectora Carmen Galán en la inauguración.

Diario Hoy 22/7/2003

maestría y mirada

2007-05-15T13:57:00.001-07:00

La mirada de Antonio López se construye sobre un océano de azules luminosos y posee cierta expresión de maestría. Sus ojos viajan y juegan, buscan y encuentran, y dan luz a aquello que su retina contempla desde la sabiduría del artista, cualquiera diría que están recién pintados.

«Hay momentos en que percibimos cosas realmente inquietantes, sorprendentes, extraordinarias y el artista tiene la capacidad de materializar ese sentimiento», comenta.

Instalado en la sala Pedro Salinas del Palacio de la Magdalena de la UIMP, el artista se detiene frente a la obra de una de sus alumnas que trata de plasmar en un lienzo el improvisado bodegón que él mismo ha elaborado a base de pimientos rojos y alubias blancas.

«Todo está bullendo, es un mundo orgánico y verdaderamente animado, te has hecho con el misterio de la materia sin ningún esfuerzo y eso es lo más difícil. Además, no es nada pretencioso y correr fuera de esa pretenciosidad es la verdadera aventura del artista», afirma este artista que ha llegado a invertir 30 años de trabajo en un cuadro.

Cuando se le pregunta ¿qué es lo que le dice que una obra está concluida?, responde: «Invierto el tiempo que sea necesario en una obra, aunque sean siglos. El trabajo se concluye por causas distintas. Mi tope son las circunstancias o la imposibilidad de continuar, el agotamiento».

Aunque es el verdadero protagonista del taller, el pintor se mueve por él como si fuese un alumno más que busca desvelar el enigma de la paleta.

Estar aquí es «un regalo», dice, para después reconocer: «Me gusta hablar de pintura y si puedo aportar algo a alguien, mejor; pero jamás, porque a mí me lo hicieron, cojo los pinceles de otro. Yo hablo de los problemas que he tenido y que tendrán ellos como pintores en este recorrido por el caos. No se trata de que miren por mis ojos sino en que despierten el arte que llevan dentro. El camino está lleno de seducciones y riesgos y el pintor debe pinchar en lo verdadero aunque la búsqueda le lleve toda la vida. Lo difícil es elegir esas luces y estar atento a lo que sientes. La libertad hay que imponerla porque es muy difícil ejercitarla».

La Razón Cultura - 22/07/2004

medalla de honor de la UIMP

2007-05-15T13:55:00.000-07:00

La Universidad Internacional Menéndez Pelayo concedió ayer al pintor Antonio López la Medalla de Honor, junto al escultor Julio López.

El artista dirige un taller de pintura en el que traslada a sus alumnos las técnicas que le han convertido en una de las referencias de la pintura española, y, también, les enseña los «riesgos», experiencias y dificultades que los jóvenes pintores pueden encontrar en su carrera.

Lo sabe él que cogió por primera vez un pincel a los trece años y que es capaz de invertir 30 años en un óleo. «Mi tope para una obra son las circunstancias o el agotamiento», dice.

Premio Príncipe de Asturias de las Artes, Antonio López ha recibido la Medalla de Honor de la UIMP, donde imparte esta semana un taller de pintura a un grupo de jóvenes.

-¿Qué le ha dado la pintura desde que cogió el pincel a los 13 años?
-Un contacto con el mundo y el conocimiento de unas personas fenomenales que no hubiera podido tener sino a través de ella. La pintura es muy íntima. Lo más maravilloso del arte es que se puede hacer con todo, en cualquier situación, incluso en las guerras.

-¿Vale todo en el arte?
-El arte en otras épocas tenía que ser algo que iluminara la vida. Ahora pude ser eso y puede ser que, sencillamente, te conmocione. Se han borrado muchos los límites artísticos, todo vale pero no para todos, yo hay cosas que aborrezco y que otros defienden. Lo mío tampoco vale para todos.

-¿Y Dalí vale?
-Sí. Hay un Dalí, como un Chagall, que es el fantoche y el payaso, pero es que no se puede vivir una vida tan larga en esa actitud tan limpia y pura. Hay una etapa del Dalí valeroso, de búsqueda de cosas difíciles y otra del Dalí sinvergonzón y amoral. Uno va detrás de otro pero cuando alguien hace algo bueno hay que agradecérselo. Dalí ha hecho cosas muy buenas, pero una parte de su obra se puede quemar.

-¿Se avergüenza de alguno de sus cuadros?
-De varios. Hace años expuse una antológica en el Reina Sofía (1993) y tomé la decisión de mostrarlos todos, es decir, quitarme los calzoncillos y que se te vea el culo. Había paredes que no quería mirar, otras que era un placer verlas, pero son obras que yo he hecho, son una parte de mí.

¿Qué opina del nombramiento de Martínez Aguilar para el Reina Sofía?
-Muy bien, es muy buena amiga y muy buena profesional. Lo importante ahí es el dinero, las posibilidades económicas que tengan los museos, por eso los grandes museos americanos tienen cosas tan fantásticas, por la pasta. En España no podemos pagar por un Picasso cuatro mil millones.

-¿Qué esconden los objetos tras esa apariencia de cotidianidad que tanto le fascinan?
-Hay momentos en que percibimos cosas realmente inquietantes, sorprendentes, extraordinarias y el artista tiene la capacidad de materializar ese sentimiento. Ante las cosas dolorosas y hermosas del mundo todos sentimos cosas parecidas.

-Usted trabaja con calma y ha llegado a invertir 30 años de trabajo en un cuadro. ¿Qué es lo que le marca que una obra está concluida?
-Con tranquilidad, con prisa o con inquietud, pero no tengo la sensación de estar con calma. Invierto el tiempo que sea necesario en una obra, aunque sean siglos. El trabajo se concluye por muchas causas distintas, mi tope son las circunstancias o la imposibilidad de continuar, el agotamiento.

La Razón Cultura - 22/07/2004

lecciones magistrales

2007-05-15T13:48:00.001-07:00

Organizado por la Caja de Extremadura con motivo del XXVI Salón de Otoño de Pintura Jóvenes artistas asisten a las lecciones magistrales del pintor y del escultor.

El pintor Antonio López y el escultor Julio López impartieron durante una semana en la Escuela de Bellas Artes del complejo cultural Santa María, de la Diputación Provincial en Plasencia, un taller de artes plásticas dedicado a la pintura ya la escultura, a unos 50 jóvenes artistas llegados de distintos lugares de España.

La iniciativa está organizada y patrocinada por la Obra Social de Caja Extremadura y se enmarca en la celebración del XXVI aniversario del salón de Otoño de Pintura de Plasencia, del que Antonio López ha sido varios años miembro del jurado calificador. Éste es el segundo curso que imparte Antonio López organizado por la entidad financiera, tras el que tuvo lugar en Yuste.
Ilusionado…«Yo estoy muy ilusionado con este tipo de actividades y, de hecho, es el quinto o sexto curso que hago este año; para mí, agregó, es el modo de salir de mi mundo de trabajo, de romper la rutina de la vida de Madrid».

Antonio López explicó que los talleres tienen como objetivo «no aprender a dibujar o a pintar, por que para eso ya hay otros espacios, sino hablar sobre el arte, de la pintura y formar el concepto porque la técnica es algo que se debe ir descubriendo».

López se plantea el curso como una reunión para el debate y la discusión entre personas preocupadas por un mismo asunto que arroje alguna luz sobre el laberinto del arte, una vez decaídas las barreras y normas anteriores. «Ahora que cada un cree las suyas», añadió.

Misterio..«Actualmente prosiguió el pintor, el arte es misterio y ya no se puede enseñar nada a partir de una fórmula, de manera que hay que trabajar así; ése es el problema ante el que nos encontramos, el problema que está en el mundo de la profesión en el que hay una confusión extraordinaria».

Tras el acto de apertura oficial del curso, Antonio López y Julio López empezaron el trabajo con los alumnos en el salón ateneo del complejo cultural Santa María. Unos bodegones montados con frutas y verduras y un modelo desnudo fueron la primera lección de trabajo. «Con eso creo que tienen una base para empezar a trabajar de un modo estimulante que es lo básico, porque este curso se plantea, sobre todo, como un diálogo, un cambio de impresiones, una reunión de científicos para analizar qué está ocurriendo, qué sucede en el mundo del arte y considerar por qué eso es así, por que resulta que mucha gente lo vive como un tema personal y es un problema mundial».

Antonio López reconoció que, pese a la madurez como artista, las dudas siguen. «De hecho, creo que es imposible trabajar sin dudas», precisó. Abogó porque el curso pudiera tener otras fechas que propiciaran una mayor participación.

Diario Hoy Sociedad - 10/11/2004

resumen vida y obra

2007-05-15T13:40:00.000-07:00

Inicios.
Fue iniciado en la pintura por su tío el también pintor Antonio López Torres.
En él ejerció notable influencia también la obra de Salvador Dalí de quien toma el gusto acusado por la realidad y el predominio del dibujo sobre la pintura.

Estudios…
En 1949 se trasladó a Madrid para preparar su ingreso en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde se formó entre 1950 y 1955. . Finalizados los estudios, alternó su trabajo entre Tomelloso y Madrid

Exposiciones…
Tras terminar los estudios realiza sus primeras exposiciones individuales (1957, 1961) en Madrid, mientras trabaja tanto en esta ciudad como en la localidad que le vio nacer

Pintores amigos…
Junto con Enrique Gran, Amalia Avia, y Lucio Muñoz, entre otros formó parte de la llamada Escuela Madrileña.

Matrimonio..
En 1961 se une en matrimonio a la también pintora María Moreno, del que nacerían dos hijas: María en 1962 y Carmen en 1965.

Profesor…
Desde 1964 hasta 1969 es profesor encargado de la Cátedra de Preparatorio de Colorido en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.

Premios de renombre…
En 1985 se le concede el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.
En enero de 1993 es nombrado miembro de número de la madrileña Real Academia de San Fernando.

Estilo..
La temporalidad y el deterioro de lo material son notas que definen su estilo hiperrealista. Antonio López es un artista que busca, dentro de la realidad que le rodea, los aspectos más cotidianos tratados con un enorme detallismo fotográfico como lo ejemplifica su obra titulada Cuarto de baño

Cine…
En 1992 el director de cine Víctor Erice filma El sol del membrillo en el que se recoge el proceso creativo del artista que pinta un membrillero del patio de su casa.

Obras muy conocidas…
Su obra abarca desde las vistas madrileñas, Madrid desde Torres Blancas (1982), retratos de sus propios familiares, Los novios, objetos de uso cotidiano, Taza de water y ventana, o simplemente elementos de la naturaleza, Membrillos y granados. Los objetos y los sucesos de la vida ordinaria son los que destacan como los protagonistas de sus cuadros. Está considerado como el padre de la escuela hiperrealista madrileña y su estilo ha influido en artistas como Toral o Villaseñor